El proyecto, que combina el interés de Saraceno por la aracnología y la astrofísica con el sonido y las artes visuales, nos invita a un “concierto cósmico” colectivo que abarca los dos espacios destinados a la exposición. Cuando los visitantes ingresen en cada una de las obras, al principio sólo verán detalles sutiles. Los filamentos suspendidos de telas de araña o los remolinos de polvo cósmico realizan un viaje flotante a través de la “red cósmica”, donde un sinnúmero de conexiones de otro modo imperceptibles se vuelven tangibles.
La exposición está organizada conjuntamente por el Museo de Arte Moderno de Buenos Aires y el Studio Tomás Saraceno, con la colaboración del Museo Nacional de Ciencias Naturales Bernardino Rivadavia. Ha sido posible gracias al apoyo del Consejo de Promoción Cultural de la Ciudad de Buenos Aires.

Muestra individual de Ezequiel Montero Swinnen

Sobre el artista
Nace en Santa Rosa, La Pampa, Argentina en diciembre de 1983. Se desempeña como artista visual, fotógrafo, diseñador y docente universitario. En su obra como artista, trabaja principalmente la fotografía, el video, la instalación y el dibujo. Los temas que aparecen recurrentemente en sus obras son la pausa, la suspensión, el silencio, la levedad, el magnetismo.

Sobre la muestra
“En esta nueva etapa, Ezequiel reflexiona acerca de la experiencia subjetiva
del hombre con respecto al movimiento dentro del tiempo detenido. La exposición, que incluye fotografía y una instalación site-specific, conjuga la simpleza visual con el ingenio poético” Gabriel Bitterman, director de Quimera.

Texto curatorial

Querido tiempo, por Ezequiel Montero Swinnen
«Somos la materia de que están hechos los sueños» Shakespeare.
«¡Está ahí, frente a ti!» Huang Po.
Cada nuevo atardecer, saco mi varita mágica y, a la cuenta de tres, detengo la inercia de tu agitada rueda. Me divierte frenar tus mecanismos y olvidar, por un buen rato, tu hipnótico túnel. Como un ave rapaz, me desplazo de la periferia al mismísimo centro de tu círculo. Allí, queda congelado el silencio de tu llanura. Suspendido aquí y ahora, en el umbral de este instante infinito, me preparo a la posibilidad de mirarte de lejos y explorar tus puntos cardinales.
(…) Querido tiempo, soy tu hijo y soy tu padre. Me integro a vos, en sagrado equilibrio. A través del sentido de tu flecha, me puedo ver. Tengo mil ojos y una dirección clara. Tu forma es mi propio puente. Nos estamos creando, mutuamente. Pongo mis manos en tus ojos, sincronizo mi corazón con tus latidos, mis ciclos con tus frecuencias. En esta pausa, todo se actualiza a cada instante. Te tomo y te suelto. Creo, destruyo y conservo tus formas. Reconozco el ritmo del parpadeo. Estoy dentro y fuera de ti. Soy el centro en la periferia. Detrás de ti, asoma el paisaje completo, todas las posibilida-
des. El mapa del pasado y del futuro y, también, de este momento que se extiende y se extiende y se extiende.
Este presente sigue siendo indestructible y se expande hasta llenarte completamente. Todo lo que es, es en la eternidad, transformándose. En el viaje interminable.

(…) Bendito silencio ondulado. La sensación de que soy yo mismo quien recorre y que tú, siempre inmóvil, siempre horizonte, estás a mi lado. La sensación de que mi propio movimiento ondulante sucede en tu escenario vertical congelado. ¡Ese es el vértigo!

El Museo Nacional de Bellas Artes presenta “Luis Felipe Noé. Mirada prospectiva”, curada por Cecilia Ivanchevich. La exposición reúne 120 obras (dibujos, pinturas, instalaciones) entre 1957 y 2017 y desarrolla la “estética del caos”. Esta mirada prospectiva esconde un doble sentido, una mirada hacia el pasado y hacia el futuro entre el artista y las nuevas generaciones.

“El segundo enfoque piensa la producción de Noé desde la visión fragmentada: el artista divide la obra para mostrar distintas realidades coexistentes. Consciente de sus coordenadas geográficas y temporales, replica en las formas la fragmentación que observa en la sociedad argentina. Este razonamiento lo lleva a entender el caos y la otredad como parte del mismo sistema”.

La muestra podrá recorrerse en el Pabellón de exposiciones temporarias del Museo del 11 de julio al 20 de septiembre de 2017, de martes a viernes, de 11 a 20, y sábados y domingos, de 10 a 20, con entrada libre y gratuita.

La muestra reúne trabajos del artista, entre dibujos, pinturas, instalaciones y libros. Recorre más de seis décadas de trabajo del artista (1957-2017) y hace foco en “el caos”, como concepto general.

El caos en la obra de Luis Felipe Noé
Hasta el siglo XX, y desde que los mitos trataban de explicar aquello que era incomprensible para la razón, el caos siempre había ocupado el lugar del enigma. A mediados del siglo pasado, diferentes estudios científicos incluyeron como parte del pensamiento racional aquello que no puede preverse. En adelante, la inestabilidad y la indeterminación pasaron a ser factores claves fuera de condiciones de equilibrio. Este cambio de paradigma formó parte del pasaje de la modernidad a la posmodernidad.
En 1965, en su libro Antiestética, Noé expresó la necesidad de asumir el caos, no en oposición al orden, sino como una nueva dinámica de funcionamiento de un mundo en permanente cambio.
En sintonía con el pensamiento científico, el artista concibió desde entonces la inclusión del caos dentro de la teoría y la práctica. Esta exposición analiza los aspectos centrales de la obra de Noé, a través de los cuales desarrolló su “estética del caos”, donde el pasado hace eco en el presente y se proyecta hacia el futuro. De ahí el título Mirada prospectiva, porque su trabajo presenta una continua obsesión por desentrañar el devenir.
El guión curatorial rompe el orden cronológico tradicional –retrospectivo– y plantea tres claves de lectura que pueden rastrearse en la “estética del caos” de Noé a lo largo de toda su producción artística realizada entre 1957 y 2017: la conciencia histórica, la visión fragmentada y la línea vital. Las tres constantes que estructuran la muestra se ven condensadas en la imponente instalación Entreveros (2017), que presenta una imagen de quiebre, en momentos en que la espiral del caos vuelve a estallar ante nosotros.
Cecilia Ivanchevich, Curadora de la exposición

El talento emergente de 12 estudiantes de diseño, combinado con la experiencia de 12 diseñadores, referentes de la Argentina se exponen en esta muestra centrada en joyería contemporánea y accesorios de moda.

Es que, organizado por la Asociación de Amigos del Museo Nacional de Arte Decorativo, en conjunto con el Museo Nacional de Arte Decorativo el Premio MAD “Moda, Arte, Diseño” es un concurso que hace un reconocimiento institucional al diseño tanto en su aspecto creativo como en su rol en la industria cultural. El objetivo es fomentar, reconocer y difundir el talento de las nuevas generaciones en el marco de esta disciplina, a la vez que alienta el desarrollo sustentable. En su tercera edición, el premio está dedicado al diseño de accesorios de moda y joyería. Está dirigido a estudiantes o graduados de las carreras afines al diseño y cuenta con un comité de tutores formado por reconocidos profesionales de la Argentina que trabajan en conjunto con los concursantes para el desarrollo del prototipo.

Las duplas de 2017:

• Jorge Castañón – María Agustina Cebey
• Martín Churba – Juan Pablo Mario
• Leticia Churba – Elisa Zorraquín
• Fabiana Gadano – Rosaura Flynn
• Celedonio Lohidoy – Marina Boldes
• Marina Massone – María Florencia Dato-Cecilia Denegri Perez
• María Medici – María Laura Egea
• Marina Molinelli Wells – Sofía Lopez Ambrosioni
• Marcelo Senra – Axel Hernán Mazzeo
• Fernanda Sibilia – Forentina Rodriguez Traverso
• Tota Reciclados – Luciana Viedma
• Nadine Zlotogora – Sabrina Florencia Lopez

Se trata de la primera exhibición en nuestro país de Diane Arbus (Nueva York, 1923-1971).  Curada por Jeff L. Rosenheim, Curador en Jefe de Fotografía de The Metropolitan Museum of Art Nueva York , la exhibición reúne más de cien fotos producidas por Arbus entre 1956 y 1962, período en el que la artista buscó “lo divino en las cosas ordinarias”.
“A lo largo de estos años se da una evolución: el paso de imágenes de individuos que surgen de encuentros fortuitos a retratos en los cuales los sujetos elegidos se convierten en participantes activos”, explica Jeff L. Rosenheim. “Este anhelo de conocimiento, esta curiosidad por la naturaleza oculta de la persona o el objeto que está fotografiando, unida a su creencia en el poder de la cámara para hacerla visible, es, sobre todo, lo que la distingue”.

Primera exposición retrospectiva de la artista argentina Mirtha Dermisache (Buenos Aires, 1940-2012) en un museo. Entre la plástica y la escritura, la obra de Mirtha Dermisache se despliega en libros, cartas, textos, diarios y postales, formatos con los que experimentó las posibilidades de expresión de su trazo sobre el papel.

La exhibición constituye un recorrido completo por su producción, desde su primer libro realizado en 1967 hasta sus últimos trabajos colectivos de los años 2000. Incluye 140 piezas pertenecientes a colecciones privadas, además de un amplio conjunto de documentos provenientes del Archivo Mirtha Dermisache, que desde 2013 lleva adelante un minucioso trabajo de catalogación y registro de sus obras.

A lo largo de su carrera, Mirtha Dermisache desarrolló una obra caligráfica a través de “escrituras ilegibles”, término acuñado por Roland Barthes quien en 1971 manifestó gran interés por su trabajo y destacó su capacidad de alcanzar la “esencia de la escritura”. La artista se interesó especialmente por la capacidad editorial de sus obras, como una forma de problematizar la idea de originalidad. Estuvo vinculada al Instituto Di Tella, al CAYC y el Grupo de los 13 y se caracterizó por ser una artista solitaria e intimista en su obra escrita y sumamente abierta en su producción pedagógica.

“Desde el inicio, la obra de Dermisache aparece atravesada por la dualidad entre la búsqueda de libertad en la creación y el sometimiento a una serie de reglas, a una disciplina. Y, a la vista del conjunto de su trabajo desde 1967 hasta su muerte, esta dualidad va a ser una constante, indisociable de su tarea pedagógica, entendida como experiencia de un proceso inverso de aprendizaje: el desaprendizaje de ciertas ideas que impiden la libre expresión creativa”, explica el curador Agustín Pérez Rubio.

El proyecto expositivo se basa en un trabajo de investigación documental de tres años sobre su archivo personal, acervo que también será expuesto para contextualizar y conjugar facetas antagónicas y rectoras de su trabajo como la disciplina y la libertad de expresión, la edición y el original, lo masivo y lo individual. Junto con la exposición, se publicará un catálogo sobre su obra de 300 páginas –en doble edición español e inglés-, co-editado junto a Fundación Espigas y con el apoyo del Archivo Mirtha Dermisache y del Institute for Studies on Latin American Art (ISLAA). El libro incluye el ensayo curatorial de Agustín Pérez Rubio, director artístico de MALBA; y textos inéditos de Guy Schraenen, editor y fundador de la editorial Guy Schraenen éditeur y Archive for Small Press & Communication (A.S.P.C.); Belén Gache, escritora y poeta; y Lucía Cañada (UBA-IDEAS- UNSAM), además de una cronología biográfica de la artista a cargo de Cintia Mezza, Cecilia Iida y Ana Rabiña del Archivo Mirtha Dermisache.

Con obras de la artista que van de 1982 a 1994 la muestra retrospectiva de Liliana Maresca recorre doce años de la producción artística de esta destacada mujer.
Fue una figura emblemática para la escena de las artes visuales de los años 80 y 90, una de las constructoras más activas de esa comunidad artística interdisciplinaria gestada hacia el final de la última dictadura militar. Fue una artista cuya obra confrontó de manera crítica problemas centrales para la sociedad, como lo fueron la situación política del país en los años 90 y el VIH, que la afectó personalmente. En palabras del curador de la muestra, Javier Villa, “Maresca puso su propio cuerpo ante todo y, expandiéndose desde ese cuerpo a su entorno íntimo, a la escena artística y a la sociedad, tuvo la capacidad de captar y retransmitir como si fuese una poderosa antena aquello que era central y acuciante en un contexto agitado”.
A través de esta exposición y de su investigación previa, el Moderno busca profundizar el importante trabajo realizado para la muestra Transmutaciones –primera retrospectiva de Liliana Maresca–, exhibida en 2008 en el Museo Castagnino+macro, de Rosario, y en el Centro Cultural Recoleta, de la Ciudad de Buenos Aires. Por ello, en esta ocasión, se reconstruyen por primera vez cinco instalaciones para acercar al público la sólida práctica de la artista.

En colaboración con el Goethe Institut, Fundación PROA presenta MANIFESTO, una instalación audiovisual de 13 videos interpretados magistralmente por Cate Blanchett en diferentes roles que cruzan lo performático y lo teatral.

Cada instalación está concebida como un film donde Cate Blanchett relata, en ese universo, las palabras más sobresalientes de los artistas del siglo XX.

Las 13 pantallas presentan fragmentos seleccionados por Julian Rosefeldt, construyendo un relato propio: un collage de 50 textos históricos de cada uno de los manifiestos de artistas (Malevich, Claes Oldenburg, Sol Lewitt, Lucio Fontana), poetas (Breton, Tzara, Marinetti) cineastas (Jim Jarmusch), coreógrafos (Yvonne Rainer) y arquitectos, así como el Manifiesto Comunista de Marx y Engels.

MANIFESTO despliega los interrogantes totalizantes que marcan nuestra cultura, preguntándose por la validez actual de estas declaraciones y el rol del arte en la actualidad. Fue presentada en 2016 en Staatsgalerie Stuttgart; Park Avenue Armory, New York; Ruhrtriennale 2016, Duisburg; Art Gallery of New South Wales, Sydney y Museum für Gegenwart, Berlin. En 2017 en: Capital of Culture, Aarhus; Ecole des Beaux Arts de Paris y Villa Stuck, Munich.

JULIAN ROSEFELDT (Munich, 1965) vive y trabaja en Berlín. Su obra es un cruce complejo de ensayo fílmico y representación performática. Sus films e instalaciones audiovisuales asocian la reflexión filosófica, la política y la crítica a la imagen. En el año 2004 participa de la Bienal de San Pablo representando a Alemania. Sus obras integran importantes colecciones públicas y privadas entre las que se encuentran el MoMA de Nueva York; la Neue Nationalgalerie de Berlín; el ACMI– Australian Centre for the Moving Image de Melbourne; el MUSAC (Museo de Arte Contemporáneo de Castilla y León) y la Saatchi Collection de Londres entre otras.

Expone internacionalmente desde 1997. Entre sus más exposiciones individuales más recientes se destacan: Villa Struck de Munich (2017), Park Avenue de Nueva York (2016), Hamburger Bahnhof – Museum für Gegenwart de Berlin (2016) y ACMI – Australian Centre for the Moving Image, Melbourne (2015) entre otras.

En el año 2009 fue profesor invitado por la facultad de Media Art de la Universidad Bauhaus de Weimar. Actualmente es miembro de la Academia Bávara de Bellas Artes y es profesor de Digital Time-Based Media en la Academia de Bellas Artes de Munich.

Retrato del Mundo es la primera exposición individual de Ana Clara Soler en Sputnik, después de la colectiva Glue en el 2014 y de su presentación con Sputnik en Barrio Joven arteBA 2017.
Fruto de una colaboración y dialogo de dos años con la curadora brasileña Tainá Azeredo (Casa Tomada, São Paulo), Retrato del Mundo reúne piezas de la serie en proceso Proyecto Random: pinturas, obra textil, en madera y cerámica.

El Proyecto Random de Ana Clara Soler surge de la voluntad de cuestionar unos manierismos
instalados en la forma de componer y producir, a través de una serie de obras libradas al azar, que no responden a ninguna idea reveladora o imagen preconcebida.
Se sortean distintos dibujos de base (formas geométricas u orgánicas), la cantidad de veces que cada dibujo aparecerá, y la paleta con la que se pintará el diseño. Cada obra es el producto de una serie de eventos que unen azar e intuición, automatismo y repetición: la oscilación entre control y descontrol libera las energías creativas y renueva la sintaxis en base al vocabulario plástico propio de la artista.

Galería Sputnik está abierta los días jueves a sábado de 15hs a 19hs.

Es una iniciativa que “Proyecto Pura Vida – Conciencia Solidaria” hace reutilizando pallets. La obra circular sobre un soporte de madera que estaba destinado a ser un desecho es el sello personal de este proyecto.
¿Cómo surge? “A principios del 2014 recibimos un ofrecimiento de donación de Casa de la Moneda: teníamos pallets redondos de 1 metro de diámetro en perfecto estado y en cantidades importantes, para hacer con ellos lo que nos pareciera mejor”, cuentan desde la ONG.
Una iniciativa solidaria de la que participan importantísimos artistas plásticos y reconocidas figuras de diferentes ámbitos de Argentina, que donan el 100% de la obra, convirtiéndolas en magníficas piezas de arte a beneficio de campañas de alto impacto coordinadas por la ONG Proyecto Pura Vida.

Conocé a los artistas que participan de la edición 2017 curada por Paula Rivero, en este link: http://www.palletsdevida.org.ar/

Y más del proyecto mirando este video: https://www.youtube.com/watch?v=JauMXkroUVU

(…) La ciudad es un enorme Chroma Key. Es posible impregnarle la narrativa o emoción que a uno se le antoje.

En 1990 W.G. Sebald escribió Vértigo. Maestro en la producción de verosimilitud. Su chroma no era verde o azul, sino blanco. Pero podía hacerte sentir que lo que estaba ocurriendo había ocurrido. La ciudad es vértigo. Se asienta en la verosimilitud: un hombre viaja tres horas idas y tres horas de vuelta a trabajar; cuida una terraza con pasto sintético. El sol le raja la frente durante ocho horas.
Las imágenes producen vértigo. Todo parece ser capturado y ya no importa que es verdadero o falso. Todo es verosímil, hasta un unicornio alado que alguien posteo en Facebook. Porque el unicornio existe y listo.
¿Narrar una historia mínima que hable de nuestra sociedad? ¿Componer o desmenuzar pantones como si fuesen la naturaleza muerta del siglo XXI?
¿Cuál es el chroma al que le podemos pegar lo que estamos sintiendo? ¿Y su pantone?*

Curada por Javier Villa la exhibición plantea un escenario de relaciones entre el hombre y los espacios que habita y lo contienen. La instalación principal ocupa el espacio central de la galería y está acompañada por una obra sonora creada por el músico y compositor Francisco Slepoy. La artista presenta trabajos vinculados a escenas del mundo actual; escenografías abiertas y vistas aéreas que intentan dibujar escalas urbanas -ya pervertidas por el crecimiento de la megalópolis y las nuevas narrativas digitales y satelitales- para volverlas a conectar con el factor humano.

*Sobre Lorena Marchetti

Artista y diseñadora Gráfica. Nació en Buenos Aires, Argentina en 1976.
Egresada de la Universidad de Buenos Aires (U.B.A.), Facultad de Arquitectura, Diseño y Urbanismo. Realizó estudios y clínicas de arte contemporáneo con Gabriel Valansi, Diana Aisenberg, Eduardo Stupía, Carlos Herrera y Guillermo Ueno. Obtuvo el Tercer Premio del 104o Salón Nacional de Artes Visuales 2015. Categoría Fotografía. En el 2012 y 2014 fue finalista del Premio Itaú Cultural a las Artes Visuales. Fue parte del Programa de artistas PAC 2013, programa anual de Prácticas Artísticas Contemporáneas. Desde el 2015 forma parte del Colectivo Foto Féminas, una plataforma con la finalidad de promover a fotógrafas que trabajan en América Latina y el Caribe. En el 2017 se incorpora a FOCO, grupo de estudio de la Fotografía Contemporánea. Un espacio de reflexión sobre problemáticas ligadas a la fotografía contemporánea, en especial sus cruces con la política, la historia, los archivos, la literatura y los dispositivos artísticos, coordinado por Natalia Fortuny en el Instituto de Investigaciones Gino Germani, Facultad de Ciencias Sociales. IGG/FSOC (UBA). Actualmente se encuentra realizando trabajos de investigación de campo y gestión cultural en proyectos de artes visuales e industrias creativas.

Desde el 2008 dirige Studionube, estudio de diseño, arte y fotografía, especializado en el desarrollo y producción integral de proyectos editoriales y culturales.

Ha participado en numerosas exhibiciones colectivas e individuales así como en Festivales y Ferias de arte nacionales e internacionales.

El sábado 2 de septiembre de 11 a 22 hs, el Distrito de Arte, diseño y Gastronomía Boulevard Sáenz Peña, de la localidad de Tigre, llevará adelante el Festival Cultura Retro.  

Un encuentro de anticuarios, arte, diseño, gastronomía, literatura, música y teatro en donde los diferentes espacios que forman parte del distrito abordarán la temática vintage desde sus disciplinas con actividades, muestras, talleres y mucho más.

 Con el Mercado de antigüedades Don Toto como anfitrión del Festival, Cultura Retro será una jornada para volver sobre los tesoros de la infancia, la comida casera, los objetos artesanales, los vínculos que se construyen con presencia física. Será una pausa compartida para revivir esas cosas del pasado que nos hagan re-encantar nuestra vida cotidiana actual.

Cronograma de actividades:

–Feria de anticuarios y coleccionistas. En el centro del Boulevard se desplegarán diferentes puestos en donde encontraremos desde vajilla antigua, mantelería, ropa vintage, excéntricos coleccionistas que nos acercan a la posibilidad de empezar nuestra propia colección, hasta libros, revistas, abuelos contando cuentos, vinilos y música en vivo.

-Obra de Artistas en los diferentes espacios de la cuadra:

• Muestra de fotografía estenopeica  “Visiones encontradas” de Daniel Tubío, y “Hallazgos isleños “ de Sol Mendoza.
• Urra
• Shavi Alli, Collages serie “Lo sé todo“
• Florencia Alvarez Brunel. Dibujo, pintura, objetos.
• Muestra de fotos antiguas por Negativos Encontrados.
• Cuatro manos dos cabezas

Y todos los espacios y talleres de Boulevard abiertos y contagiandose del espíritu vintage. Tester, Cata Scopa, Desire Derider, Maite Torralba, David Klauser.

-Diseño

• Muestra y venta  de la colección Luminarias, realizada por el colectivo de diseño Don Toto  + Atico de Diseño a partir del reuso de piezas antiguas.

-Gastronomía

• Pía Frendik en Atico de Diseño nos llevará a otra época con recetas y diseño de la mano de Yelmo.
• Patio cervecero Imperial
• Foodtrucks

Colección de Imágenes realizó la siguiente pregunta a mil jóvenes de entre 13 y 18 años (de escuelas públicas y privadas, talleres e institutos de formación artística): “¿Qué ves cuándo ves?” Cada uno reflexionó sobre cómo ve, en qué se fija, y cómo, en definitiva, construye su imagen del mundo. Sus respuestas se materializaron en fotografías que fueron enviadas al Recoleta. Se imprimieron en imanes, creando una colección de 1000 imágenes que hoy se exponen en la Sala Cronopios, en una serie de bibliotecas metálicas ubicadas en el centro del espacio. 

La propuesta invita al público a conocer las formas de ver de otros, pero también lo invita a intervenir: puede elegirlas y llevarlas a un grupo de habitaciones metálicas al fondo de la sala para crear su propia muestra. Convirtiéndose en el curador de la exhibición.

Texto – Gonzalo Pedraza
Hoy vivimos en un mundo de imágenes: el teléfono, la computadora, la televisión, los videos, las transmisiones instantáneas, todo se ha reducido –o expandido- a una pantalla. ¿Cómo vemos hoy en día las cosas que no están dentro de una pantalla? ¿Cómo percibimos un paisaje, un árbol o nuestro entorno? Pareciera que estos tiempos están construyendo una percepción novedosa.

La forma en cómo nos relacionamos con nuestra tecnología se traspasó a los sentidos: vemos, tocamos y oímos de manera distinta. En el arte pasa lo mismo, la experiencia de “ver una obra de arte” también está sometida a esta nueva percepción, pero se resiste y aún conserva una fuerte carga ritual: vemos en silencio, serios –tratando de parecer cultos-, no podemos tocar las obras, debemos guardar distancia y acercarnos a ellas a través de textos indescifrables. Todas estas experiencias nos hacen finalizar la visita aturdidos. ¿Cómo combinar esta nueva percepción y la experiencia del arte?

Colecciones de Imágenes un proyecto sobre la experiencia presente, un experimento visual donde todos los factores interactúan: nos introducimos a una máquina de relaciones que opera gracias a la participación del espectador, como un generador de imágenes y como un creador de la exhibición.

Sobre Gonzalo Pedraza
Es licenciado en Teoría e Historia del Arte y realizó un posgrado en Estudios Latinoamericanos, en la Universidad de Chile. Su obra gira en torno al coleccionismo en el mundo moderno, las ideas culturales sobre naturaleza y la cultura material, entre sus obras y proyectos destacan Colección vecinal (Galería Metropolitana en 2008, VII Bienal de Mercosur en 2009 y Matucana 100 en 2013), Colección de imágenes y Colección Televisiva (Matucana 100 en 2011 y 2012), Fósiles (Galería Metales Pesados en 2014), y Colección Natural (Corpartes en 2016). Su obra se encuentra en las colecciones de Juan Yarur y Fundación FAVA.

Entre sus publicaciones: Colecciones: obras 2008 a 2013 (con textos de Andrea Giunta, Osvaldo Sánchez y Peter Mason, 2016); Herbolaria Local: Cultura visual y natural en Chile siglo XIX y XX (ediciones Corpartes y Consejo Nacional de la Cultura, 2011-2016); De la pintura en Chile (Ocho Libros Editores, 2010); “Obras inodoras” (Revista Animal, Ciudad de México, 2010); Luis Camnitzer: De la CocaCola al arte boludo (Editorial Metales Pesados, 2009); y Paisaje y visualidad en el arte chileno contemporáneo (INCUBO/University Austin, Texas, 2009); “Galería Metropolitana: un disonancia en el campo artístico chileno” (revista Teoría del Arte, 2006).

Ha sido curador del Centro Cultural Matucana 100 entre 2010 y 2013, ha realizado proyectos curatoriales, entre ellos: Project Rooms 2011 y 2012, junto a Daniela Pérez y Úrsula Dávila (Feria de arte Ch.Aco), Retrospectiva Juan Pablo Langlois: 1969- 2010 (M100, 2012), Minimalismo made in Chile (M100, 2013), Yoshua Okón: CHILLE (Galería Gabriela Mistral, 2009).

Información útil

La entrada libre y gratuita
Horarios del Recoleta: martes a viernes, de 13.30 h a 22 h. Sábados, domingos y feriados de 11.30 h a 22 h. Lunes cerrado.

Llega la 13 edición de la feria que se consolidó como punto de referencia de la fotografía latinoamericana y que reúne a galerías, artistas, curadores, críticos, periodistas especializados y nuevos coleccionistas.

¿En qué consistirá la edición de este año?
SECTOR PRINCIPAL

Estará integrado por más de 35 galerías nacionales e internacionales: Aldo de Sousa, Atrium, Barro, Búm, Casa Gris, castillo_arte, Cosmocosa, DC Arte, Diego Obligado Galería de Arte, Diego Ortiz Mugica Fotografías, El Dorado, Espacio Pla, Gabelich Contemporáneo, Gachi Prieto, Galeria Del Paseo, Galería Marcelo Guarnieri, Galería Nora Fisch, Galerie Brésil, Granada Gallery, Henrique Faria NY/BA, Imaginario, Isabel Aninat, Lateral, Mirador Arte Contemporáneo, OdA, Quimera, Revolver, Rolf Art, Ruth Benzacar Galería de Arte, Sessa Photogallery, Silvia Miranda Arte Contemporáneo, The Art Gallery, The White Lodge, Ungallery, Vasari, Yael Rosenblut Gallery, Zonadephoto.

WUNDERKAMMER

Es el espacio dedicado a los inicios de la fotografía que tiene como objetivo poner en valor sus diferentes materialidades, procesos tecnológicos y usos sociales, asumiendo el desafío de estimular un nuevo tipo de coleccionismo en emergencia. En su tercera edición, Wunderkammer reafirma su lugar en la feria con la destacada participación de Hilario, Artes, Letras & Oficios, una galería especializada en fotografía patrimonial y procesos antiguos que presenta una selección de piezas antiguas y fotografías vernáculas que van desde daguerrotipos y ambrotipos hasta álbumes fotográficos de principios del siglo XX.

FUERA DE FOCO

Con nuevo curador, Federico Curutchet, este espacio busca realizar una nueva propuesta conceptual sobre los límites de la fotografía. A través de la participación de cinco galerías, la cuarta edición de Fuera de Foco busca trazar un breve recorrido histórico sobre los nuevos modos de producción, configuración y consumo de las imágenes en el siglo XXI. Curutchet se propone mostrar cómo los nuevos medios de circulación y la irrupción de internet y las redes sociales trajeron consigo nuevas formas de pensar el universo de lo visual.

LINKS PROJECT

Es una de las propuestas más importantes de la feria, dedicada a fortalecer la práctica curatorial dentro del campo de la fotografía argentina. A partir de la selección de galerías participantes, se invita a un curador a que realice una propuesta exhibitiva de diferentes artistas de las galerías del sector principal que permita poner en dialogo sus obras. Ariel Authier vuelve a ser el curador para esta tercera edición, quien presenta “Contacto” un proyecto de exposición abocado a la relación entre la fotografía y el voyeurismo, con la participación de artistas de las galerías Nora Fisch, Ruth Benzacar, Rolf Art, Henrique Faria y El Mirador Espacio.

VIDEOPROJECT

Es el sector dedicado a la imagen en movimiento. Para su tercera edición se convocó al curador especializado Rodrigo Alonso, quien presenta una selección de videos de los artistas Leticia Obeid, Ishmael Randall Weeks y Mauro Guzmán. Titulada “Terra Incógnita”, esta exhibición aborda la idea de territorios ficcionalizados a partir de diferentes maneras: en algún caso, esto sucede por la decisión voluntaria de construir un lugar poblado por seres insólitos, raros, queer. En otro, es el trastorno de cierta sensatez de los acontecimientos el que nos invita a pensar en alguna razón oculta como parámetro de comprensión de la realidad. Finalmente, la mirada detenida sobre el depósito de un museo pareciera despertar a los fantasmas latentes en él, forjando el clima propicio para la manifestación de un aura o de una resurrección.

ARTISTA INVITADA by Aeropuertos 2000.

Candida Höfer es la invitada de honor de este año y forma parte del programa de artistas invitadas que la feria lleva a cabo desde el 2014, con el objetivo de potenciar diálogos con el panorama internacional y establecer una representación más equitativa de género en el ámbito de la fotografía. Su participación es posible gracias a Galeríe Thomas Zander y el apoyo de Aeropuertos 2000 en el traslado de las obras. Con motivo de su paso por Buenos Aires, Höfer repasará su trabajo y trayectoria a través de una entrevista pública que le realizará la especialista en fotografía Valeria González en el auditorio de MALBA el sábado 9 de septiembre a las 12hs.

ARTISTA HOMENAJE by IRSA

El artista homenaje de esta edición es el mítico fotógrafo y galerista Frans van Riel. Nacido en Roma en 1879, van Riel se trasladó pronto a Buenos Aires donde fundó uno de los estudios de fotografía más importantes del país y la galería de arte van Riel, que mantiene vivo su legado hasta nuestros días. Las imágenes aquí exhibidas pertenecen al único álbum de Frans van Riel que logró conservarse. Se trata de una selección de un total de cincuenta y cuatro fotografías en gelatina de plata correspondientes al registro de la bailarina rusa Ana Pavlova y su compañero Hubert Stowitts en su paso por Buenos Aires. Si bien fueron tomadas en 1919, estas copias datan de 1946 y se estima que fueron realizadas a partir de un encargo de Stowitts cuya carta aún se conserva.

PHOTOBOOK TIJUANA by OMINT

Photobook Tijuana es una extensión de la Feria Tijuana de Arte Impreso, un proyecto pionero en Brasil que se inició en la Galeria Vermelho (São Paulo) y que pronto comenzó a difundir el trabajo de micro-editoriales y artistas que se auto-publican. Desde 2016 Tijuana se alía con BAphoto para presentar una selección especial de editoriales abocadas a los fotolibros. Investigar libros de artistas dentro de un recorte específico como éste significó un enriquecimiento de la red de editoriales independientes que acompañan a Tijuana, principalmente de Argentina. Para esta edición fueron seleccionadas 15 editoriales que utilizan el libro como forma autónoma para un trabajo fotográfico: Asunción Casa Editora (Buenos Aires), Vaciarte (Buenos Aires), Instantes Gráficos (Buenos Aires), Editora Kuringa (Belo Horizonte), Big Sur BOOKS (Buenos Aires), Chaco (Buenos Aires / Madrid), Sta Rosa Editora (Buenos Aires), Arquitectura y fantasía (La Plata), Livro Inventado (Rio de Janeiro), La Luminosa (Buenos Aires), Havaiana Papers (São Paulo), Tijuana (São Paulo), Pulso – Panorama de Publicaciones Independientes (Buenos Aires), Cactus (Porto Alegre), HOTEL DADA editor (Junin).

AUDITORIO by Ministerio de Cultura de la Ciudad Autónoma de Buenos Aires

Como todos los años, el auditorio presenta un programa de conferencias, presentaciones de libros y mesas redondas a fin de promover el intercambio de conocimiento sobre fotografía y estimular el Special Rooms es una nueva sección de galerías internacionales que son invitadas por un curador a partir de una debate teórico sobre la misma. Entre sus actividades principales se destaca la conferencia del teórico y curador estadounidense John Pultzm quien viene exclusivamente a Buenos Aires para conversar sobre la relación entre el cuerpo y la fotografía a partir de la muestra de Diane Arbus en el MALBA.

Con la curaduría de Sebastián Vidal Mackinson, Julieta Barderi presenta un conjunto de piezas trabajadas en diferentes disciplinas que diagraman sobre cuestiones ligadas a la magia. Aquí, se muestran algunas operaciones que conllevan a la transformación, la manipulación del tiempo, como también la presencia de portales y la arquitectura ancestral. A su vez, el uso del color fluorescente y la escritura de raigambre ritual, asoman de manera intermitente en estas piezas que las encadenan a la manera de elementos rotundos de un listado-sentencia: son los eslabones irremplazables que posibilitan que el conjuro surta efecto en su
precisa enunciación.

*Sobre Julieta Barderi
En 2006 egresó de la Escuela de Artes Visuales Regina Pacis. Asistió al taller de Alejandra Seeber y al de Eduardo Stupía en UTDT. Realizó clínica de obra con Tulio De Sagastizábal. En 2014 participó de la Beca FNA-CONTI donde realizó clínica con Eduardo Basualdo, Eduardo Stupía y Verónica Gómez. También realizó el taller “El texto de la obra” con Silvia Gurfein. Actualmente en el Programa de Artistas (UTDT) Universidad Torcuato DiTella 2017.

Casa FOA es esencialmente un espacio para el libre desarrollo de la creatividad, un lugar de encuentro en el que diseñadores, arquitectos, decoradores y paisajistas seleccionados por su talento y prestigio comparten con el público sus búsquedas y sus hallazgos.

Casa FOA surgió en 1985, como iniciativa de Mercedes Malbran de Campos y un grupo de señoras, con el propósito de recaudar fondos para la Fundación Oftalmológica Argentina “Jorge Malbran” (FOA).

Si la misión científica de la Fundación es acercar a más gente a una perfecta visión de las cosas, la idea motriz de Casa FOA es mostrar opciones para vernos mejor, proponiendo perfiles nítidos de los valores arquitectónicos y culturales del país, exhibiendo su capacidad para la creación de estilos y formas.

Un referente indiscutido en la agenda cultural del país y una cita ineludible para conocer las últimas tendencias del diseño en un marco de multiplicidad de gustos y estilos.

Este año Casa FOA tendrá lugar en Luis María Campos 1336.

La artista fueguina, quién recientemente fue seleccionada en la Bienal de Arte Joven de Buenos Aires y a su vez prepara su participación en la feria de arte canadiense Art Toronto y su primera exposición individual en una galería en el exterior: Alison Milne (Toronto, Canadá), presenta su muestra individual en Quimera.

Además, se puede ver y recorrer la intervención site-specific del artista Andréz Martínez: “La traición de las imágenes”, que cuenta con la curaduría de Gonzalo Silva.

La exposición se puede visitar de martes a viernes de 14 a 20hs y sábados de 10 a 14hs (exceptuando el primer sábado de cada mes en el que la galería permanece cerrada).

En el marco del Día Internacional de la Democracia se llevarán a cabo la 3ra Jornada de Arte y Comunidad de la UBA.

¿Qué es?
Una iniciativa cultural que promocionan –a través de la realización de muestras de arte, charlas y talleres en instituciones relevantes– las manifestaciones artísticas como factores de crecimiento humano y social, de la integración cultural y el respeto por la diversidad cultural.

Participantes: En sus dos ediciones se exhibieron los trabajos de 36 fundaciones y Organizaciones de la Sociedad Civil que trabajan con arte con fines educativos, relacionales, lúdicos, terapéuticos, entre otros.

Disciplinas: Música, danza, literatura, fotografía, pintura, arte correo, audiovisual, técnicas lúdicas.

Temáticas: Pobreza, Niñez, adolescencia y juventud; Salud; Salud Sexual y Reproductiva y HIV; Diversidad Sexual y Género; Educación; Derechos Humanos y pluralismo cultural; Migración; Ambiente y sustentabilidad.

En el marco de su 16° aniversario, Malba organiza una semana de actividades. Este lunes organiza una visita guiada a cargo de Agustín Pérez Rubio,
por Verboamérica, la muestra que se encuentra exhibida en la Sala 2 del Museo.

A un año de la inauguración de Verboamérica, el curador Agustín Pérez Rubio realizará un recorrido especial por la exposición dando cuenta del modo en que junto a Andrea Giunta han releído la colección permanente del museo, incorporando nuevas obras y categorías para volver a pensar la condición latinoamericana en el siglo XXI.
Actividad incluida con el ticket de ingreso al museo.

En el marco de su 16° aniversario, Malba organiza una semana de actividades. Este martes, hará un “Encuentro de lectura silenciosa”. Malba Literatura y Disconnect BA invitan a recibir la llegada de la primavera con la cuarta edición de su ceremonia de lectura a museo cerrado.

El hall central del museo toma, en su día de cierre, la forma de un acogedor living –con almohadones, sillones, y alfombras– e invita a los lectores a disfrutar de las salas como espacio de lectura. Para participar solo hace falta traer un libro y desconectarse de la tecnología por un par de horas, tomando un rico café y acompañados de música.

Entrada libre y gratuita.

En el marco de su 16° aniversario, Malba organiza una semana de actividades. Este miércoles hará un “Recorrido sonoro sobre textos y fotografías de Diane Arbus”, una presentación en la que la dramaturgia y dirección estarán a cargo de Mercedes Halfon.

Como acompañante constante y silencioso de su fotografía, Diana Arbus escribió durante muchos años libretas y cuadernos de anotaciones. Esas páginas dan cuenta de las relaciones que unían a Arbus con espacios y personas que fotografiaba. Fueron también el espacio para registrar recuerdos, pensamientos sobre su trabajo, imágenes y sueños.

Sobre la base de estas notas, Mercedes Halfon –curadora y crítica especializada en dramaturgia– realizará un recorrido sonoro y performático por la exposición poniendo en diálogo la escritura de Arbus con sus imágenes.

El dispositivo propone una deambulación privada, un tránsito personal por el espacio acompañado por la palabra de la artista.

Actividad incluida con el ticket de ingreso al museo (Sala 5, Nivel 2)

El 21 de Septiembre, el camión Kidz ArtTruck, del programa #AvalaCynar, llevará adelante una muestra itinerante que recorrerá tres de los principales parques de Buenos Aires: Plaza Francia, Las Heras y Los Bosques de Palermo.
En esta oportunidad, Tobias Dirty, Camila Marconi, Fran Stella, Still Sad, Flora Ferrari, Agustina Leal, Tato Estrada, Gregorio Rubio, Trinidad Metz Brea participarán del encuentro. El ArtTruck será esta vez la obra en la que los artistas convocados intervendrán el camión sin limitaciones haciendo uso de materiales reciclados y callejeros para conformar una estética young broke and fabulous, trash mostra. “Se puede colgar, apoyar o encimar cosas, enredar. Todas las ideas son válidas. Lo que se busca es visibilizar el universo joven y queer. El camión somos todos”, comenta Macarena Zimmermann, organizadora.

En Argentina, “es necesario fomentar la producción de distintos agentes en las ciudades más importantes del país. Por ello, desde Cynar resulta esencial respetar las metodologías particulares de dichos espacios. Creemos que cada uno de ellos tiene la capacidad de acercar un mensaje auténtico a la sociedad”, señala Victoria Tolomei, Curadora Cynar.

A través del arte el colectivo, Kidz ArtTruck busca contribuir a la ampliación de derechos humanos y dar lugar a la concientización sobre temas de actualidad, tanto sociales como políticos. “Buscamos romper con estándares retrógrados que aprisionan o discriminan los cuerpos y luchar contra los procesos de invisibilización por parte del Estado y la sociedad”, agrega. Además, la performance tendrá como fin último hacer un llamamiento de cara al próximo Encuentro Nacional de Mujeres que se realizará en la provincia de Chaco.

Sobre #AvalaCynar

El programa propone absorber la energía de lo que subyace por los rincones de la ciudad, en este caso, KIDZ. Un colectivo multidisciplinario y autogestivo de artistas jóvenes, sub21, que propone generar un lugar de reflexión a través de diversas acciones estéticas y políticas. El objetivo es mezclar el arte, esa situación social de exposición y conexión con el activismo político, revelarse contra la práctica cultural que etiqueta y marginaliza aquello que no se acopla a la norma.

En el marco de su 16° aniversario, Malba presenta SIN. SIN es el nombre de la instalación audiovisual que combina deconstrucción de imagen y sonido y utiliza como “guion” el repertorio de canciones de la banda Entre Ríos. La instalación tendrá lugar en el centro de la plaza y será construida utilizando una estructura cerrada dentro de la cual se montará un sistema de sonido cuadrafónico, que permitirá generar una escucha subjetiva por parte de cada participante. A su vez la instalación se completa con el mapeo de imágenes proyectadas en setenta pilares desplegados en el espacio, creando así una experiencia única de arte y tecnología.

Durante cada jornada, de 12:00 a 20:00, el público podrá asistir libre y gratuitamente a visitar y recorrer la instalación. Además, se sumarán intervenciones en vivo del grupo que serán presentadas en los siguientes horarios:
Jueves 21 de septiembre a las 19:00.
Viernes 22 de septiembre a las 19:00, 20:00 y 21:00.

¿Dónde? Plaza Perú, contigua al museo.

Entrada libre y gratuita. La entradas a las intervenciones de Entre Rios en vivo, se retirán una hora antes en la recepción del museo.

Con la curaduría de Julieta Sepich y Marcelo Marzoni, Jorge Haro presenta dinámica [input]. La muestra retoma el universo poético de Jorge Haro para desplegar una serie de constantes que emergen como familiares.

Su trazo sintético hace estallar las apariencias para concentrarse en la sutil transformación del sonido. La obra arriba al sentido desde el dato: ¿Qué se oculta detrás? ¿Qué opaca la estrategia? O al contrario: ¿Qué revela?

Como un juego de tenues oposiciones, Haro cifra un alfabeto personalísimo donde la materia prima es lo sonoro -o su ausencia- en términos físicos/perceptivos. Nos preguntamos entonces: ¿Qué escuchamos? ¿Cómo lo hacemos? ¿Cuál es nuestro “ancho de banda”? Se trata de poetizar la escucha desplazando el sonido en luz, en vibración, en materialidades ausentes. La obra deviene en un mapa fantasmal. Desafiante explora lo inmaterial: huellas que rondan como residuo, como rastros de lo audible. El movimiento es gesto momificado del proceso. A la vez emerge una suerte de contra-iconografía donde lo visual materializa lo inasequible del sonido: el margen imposible. La obra no teme a estas contaminaciones y sin máscara revela su puesta en escena: Simulacro de montaje-edición.

dinámica [input] le otorga un cuerpo-fantasma al silencio. Su paradoja reside en que Haro desocupa apelando a un juego de sustituciones: cambiar de medio para transformar. Principio de adaptación: Cuerpo anfibio. Su ideario de laboratorio nos habilita como voyeur de su experimentación: lo inacabado como formulación poética. Para desmantelar el artificio de lo sonoro, explora lo orgánico desde su concepción de síntesis y el tránsito para convertirse en artefacto y dispositivo.

Lo central en la obra es el proceso como resultado, como no-respuesta. En una suerte de cadavre exquis lo aleatorio -como forma de azar-, naturaliza los procesos artificiales. El artista nos lanza al juego y nos insta a resistir, a alterar nuestras lógicas perceptivas. Finalmente, dinámica [input] es movimiento y quietud; es pausa y pulso. Intensidad en el tiempo.

Por su parte, en planta alta intervención #3 del artista Sebastián Tedesco entra en diálogo con la producción del artista Eduardo Pla en la muestra permanente Historia de un Malentendido, con curaduría de Merlina Rañi. Tedesco es el tercero de siete artistas, junto con Kevin Kripper, Diego Alberti, Azul De Monte, Sebastián Tedesco, Lolo Armdz, Patricio González Vivo y Manolo Gamboa Naón, invitados a lo largo del año, y que sucederán mes a mes a intervenir parte de la selección de la muestra permanente de Pla.

Sobre Jorge Haro
(Buenos Aires, 1963) Artista. Actualmente es curador del ciclo de conciertos y performances audiovisuales Escuchar [Sonidos Visuales], del Museo de Arte Moderno de Buenos Aires. Su producción investiga los aspectos estéticos y científicos del sonido y las vibraciones, con particular interés en la escucha expandida, la visualización del sonido, las relaciones audiovisuales y los procesos de transformación de datos. Ha realizado conciertos audiovisuales, instalaciones y exhibiciones en América y Europa. Se destacan sus presentaciones en Sónar +D Buenos Aires (Argentina, 2016); New River Studios (Inglaterra, 2016); Festival Internacional de la Imagen (Colombia, 2014); Festival Tsonami (Chile, 2013); Situación Sonora: La Deriva Aural, en el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía (España, 2012); Skolska 28 (República Checa, 2011); Festival LEV (España, 2010); Là-Bas Biennale (Finlandia, 2010); Ha colaborado con cineastas, video artistas, net artistas y directores de teatro y de danza. Ha realizado residencias artísticas en el Centro Mexicano para la Música y las Artes Sonoras (CMMAS), y en el EMS Elektronmusik Studion, Estocolmo, Suecia.

Un Festival que genera un punto de encuentro entre público y artistas. Un espacio de cruce y celebración, donde los artistas tienen la oportunidad de dialogar y convivir con creadores de distintas disciplinas.

Durante una semana, la Ciudad de Buenos Aires se convierte en escenario del arte de jóvenes de 18 a 32 años que, gracias a este proyecto, al financiamiento y a las tutorías que reciben, pueden potenciar su trabajo y su carrera trabajando en sus proyectos durante meses para exponerlos después en el Festival que organiza la Bienal.

Un total de 800 artistas integran los equipos de las 230 obras y proyectos participantes de las cinco disciplinas de la Bienal: Artes escénicas, Artes visuales, Artes audiovisuales, Música y Literatura.

¿Qué podremos ver?
8 proyectos escénicos
6 proyectos en artes visuales
3 series web
16 escritores con novelas breves
25 bandas y solistas

Durante los 7 días que dura el Festival las obras comenzarán su proceso de circulación y exhibición en El Centro Cultural Recoleta y 13 sedes más de la ciudad. Allí se presentarán los 17 proyectos desarrollados y más de 170 obras de los artistas seleccionados. También se publicarán dos antologías, una de cuento por Eterna cadencia y otra de poesía por Editorial Mansalva mientras que en música, las bandas y solistas se presentarán en vivo en el Festival y competirán por la grabación, edición, reproducción y difusión de un disco. Un Comité de premiación será el encargado de seleccionar hasta 4 bandas y/o solistas ganadores.

Ingresá a la web de la Bienal para conocer los proyectos seleccionados: https://bienal.buenosaires.gob.ar/