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El proyecto, que combina el interés de Saraceno por la aracnología y la astrofísica con el sonido y las artes visuales, nos invita a un “concierto cósmico” colectivo que abarca los dos espacios destinados a la exposición. Cuando los visitantes ingresen en cada una de las obras, al principio sólo verán detalles sutiles. Los filamentos suspendidos de telas de araña o los remolinos de polvo cósmico realizan un viaje flotante a través de la “red cósmica”, donde un sinnúmero de conexiones de otro modo imperceptibles se vuelven tangibles.
La exposición está organizada conjuntamente por el Museo de Arte Moderno de Buenos Aires y el Studio Tomás Saraceno, con la colaboración del Museo Nacional de Ciencias Naturales Bernardino Rivadavia. Ha sido posible gracias al apoyo del Consejo de Promoción Cultural de la Ciudad de Buenos Aires.

Se trata de la primera exhibición en nuestro país de Diane Arbus (Nueva York, 1923-1971).  Curada por Jeff L. Rosenheim, Curador en Jefe de Fotografía de The Metropolitan Museum of Art Nueva York , la exhibición reúne más de cien fotos producidas por Arbus entre 1956 y 1962, período en el que la artista buscó “lo divino en las cosas ordinarias”.
“A lo largo de estos años se da una evolución: el paso de imágenes de individuos que surgen de encuentros fortuitos a retratos en los cuales los sujetos elegidos se convierten en participantes activos”, explica Jeff L. Rosenheim. “Este anhelo de conocimiento, esta curiosidad por la naturaleza oculta de la persona o el objeto que está fotografiando, unida a su creencia en el poder de la cámara para hacerla visible, es, sobre todo, lo que la distingue”.

Primera exposición retrospectiva de la artista argentina Mirtha Dermisache (Buenos Aires, 1940-2012) en un museo. Entre la plástica y la escritura, la obra de Mirtha Dermisache se despliega en libros, cartas, textos, diarios y postales, formatos con los que experimentó las posibilidades de expresión de su trazo sobre el papel.

La exhibición constituye un recorrido completo por su producción, desde su primer libro realizado en 1967 hasta sus últimos trabajos colectivos de los años 2000. Incluye 140 piezas pertenecientes a colecciones privadas, además de un amplio conjunto de documentos provenientes del Archivo Mirtha Dermisache, que desde 2013 lleva adelante un minucioso trabajo de catalogación y registro de sus obras.

A lo largo de su carrera, Mirtha Dermisache desarrolló una obra caligráfica a través de “escrituras ilegibles”, término acuñado por Roland Barthes quien en 1971 manifestó gran interés por su trabajo y destacó su capacidad de alcanzar la “esencia de la escritura”. La artista se interesó especialmente por la capacidad editorial de sus obras, como una forma de problematizar la idea de originalidad. Estuvo vinculada al Instituto Di Tella, al CAYC y el Grupo de los 13 y se caracterizó por ser una artista solitaria e intimista en su obra escrita y sumamente abierta en su producción pedagógica.

“Desde el inicio, la obra de Dermisache aparece atravesada por la dualidad entre la búsqueda de libertad en la creación y el sometimiento a una serie de reglas, a una disciplina. Y, a la vista del conjunto de su trabajo desde 1967 hasta su muerte, esta dualidad va a ser una constante, indisociable de su tarea pedagógica, entendida como experiencia de un proceso inverso de aprendizaje: el desaprendizaje de ciertas ideas que impiden la libre expresión creativa”, explica el curador Agustín Pérez Rubio.

El proyecto expositivo se basa en un trabajo de investigación documental de tres años sobre su archivo personal, acervo que también será expuesto para contextualizar y conjugar facetas antagónicas y rectoras de su trabajo como la disciplina y la libertad de expresión, la edición y el original, lo masivo y lo individual. Junto con la exposición, se publicará un catálogo sobre su obra de 300 páginas –en doble edición español e inglés-, co-editado junto a Fundación Espigas y con el apoyo del Archivo Mirtha Dermisache y del Institute for Studies on Latin American Art (ISLAA). El libro incluye el ensayo curatorial de Agustín Pérez Rubio, director artístico de MALBA; y textos inéditos de Guy Schraenen, editor y fundador de la editorial Guy Schraenen éditeur y Archive for Small Press & Communication (A.S.P.C.); Belén Gache, escritora y poeta; y Lucía Cañada (UBA-IDEAS- UNSAM), además de una cronología biográfica de la artista a cargo de Cintia Mezza, Cecilia Iida y Ana Rabiña del Archivo Mirtha Dermisache.

Con obras de la artista que van de 1982 a 1994 la muestra retrospectiva de Liliana Maresca recorre doce años de la producción artística de esta destacada mujer.
Fue una figura emblemática para la escena de las artes visuales de los años 80 y 90, una de las constructoras más activas de esa comunidad artística interdisciplinaria gestada hacia el final de la última dictadura militar. Fue una artista cuya obra confrontó de manera crítica problemas centrales para la sociedad, como lo fueron la situación política del país en los años 90 y el VIH, que la afectó personalmente. En palabras del curador de la muestra, Javier Villa, “Maresca puso su propio cuerpo ante todo y, expandiéndose desde ese cuerpo a su entorno íntimo, a la escena artística y a la sociedad, tuvo la capacidad de captar y retransmitir como si fuese una poderosa antena aquello que era central y acuciante en un contexto agitado”.
A través de esta exposición y de su investigación previa, el Moderno busca profundizar el importante trabajo realizado para la muestra Transmutaciones –primera retrospectiva de Liliana Maresca–, exhibida en 2008 en el Museo Castagnino+macro, de Rosario, y en el Centro Cultural Recoleta, de la Ciudad de Buenos Aires. Por ello, en esta ocasión, se reconstruyen por primera vez cinco instalaciones para acercar al público la sólida práctica de la artista.

En colaboración con el Goethe Institut, Fundación PROA presenta MANIFESTO, una instalación audiovisual de 13 videos interpretados magistralmente por Cate Blanchett en diferentes roles que cruzan lo performático y lo teatral.

Cada instalación está concebida como un film donde Cate Blanchett relata, en ese universo, las palabras más sobresalientes de los artistas del siglo XX.

Las 13 pantallas presentan fragmentos seleccionados por Julian Rosefeldt, construyendo un relato propio: un collage de 50 textos históricos de cada uno de los manifiestos de artistas (Malevich, Claes Oldenburg, Sol Lewitt, Lucio Fontana), poetas (Breton, Tzara, Marinetti) cineastas (Jim Jarmusch), coreógrafos (Yvonne Rainer) y arquitectos, así como el Manifiesto Comunista de Marx y Engels.

MANIFESTO despliega los interrogantes totalizantes que marcan nuestra cultura, preguntándose por la validez actual de estas declaraciones y el rol del arte en la actualidad. Fue presentada en 2016 en Staatsgalerie Stuttgart; Park Avenue Armory, New York; Ruhrtriennale 2016, Duisburg; Art Gallery of New South Wales, Sydney y Museum für Gegenwart, Berlin. En 2017 en: Capital of Culture, Aarhus; Ecole des Beaux Arts de Paris y Villa Stuck, Munich.

JULIAN ROSEFELDT (Munich, 1965) vive y trabaja en Berlín. Su obra es un cruce complejo de ensayo fílmico y representación performática. Sus films e instalaciones audiovisuales asocian la reflexión filosófica, la política y la crítica a la imagen. En el año 2004 participa de la Bienal de San Pablo representando a Alemania. Sus obras integran importantes colecciones públicas y privadas entre las que se encuentran el MoMA de Nueva York; la Neue Nationalgalerie de Berlín; el ACMI– Australian Centre for the Moving Image de Melbourne; el MUSAC (Museo de Arte Contemporáneo de Castilla y León) y la Saatchi Collection de Londres entre otras.

Expone internacionalmente desde 1997. Entre sus más exposiciones individuales más recientes se destacan: Villa Struck de Munich (2017), Park Avenue de Nueva York (2016), Hamburger Bahnhof – Museum für Gegenwart de Berlin (2016) y ACMI – Australian Centre for the Moving Image, Melbourne (2015) entre otras.

En el año 2009 fue profesor invitado por la facultad de Media Art de la Universidad Bauhaus de Weimar. Actualmente es miembro de la Academia Bávara de Bellas Artes y es profesor de Digital Time-Based Media en la Academia de Bellas Artes de Munich.

Colección de Imágenes realizó la siguiente pregunta a mil jóvenes de entre 13 y 18 años (de escuelas públicas y privadas, talleres e institutos de formación artística): “¿Qué ves cuándo ves?” Cada uno reflexionó sobre cómo ve, en qué se fija, y cómo, en definitiva, construye su imagen del mundo. Sus respuestas se materializaron en fotografías que fueron enviadas al Recoleta. Se imprimieron en imanes, creando una colección de 1000 imágenes que hoy se exponen en la Sala Cronopios, en una serie de bibliotecas metálicas ubicadas en el centro del espacio. 

La propuesta invita al público a conocer las formas de ver de otros, pero también lo invita a intervenir: puede elegirlas y llevarlas a un grupo de habitaciones metálicas al fondo de la sala para crear su propia muestra. Convirtiéndose en el curador de la exhibición.

Texto – Gonzalo Pedraza
Hoy vivimos en un mundo de imágenes: el teléfono, la computadora, la televisión, los videos, las transmisiones instantáneas, todo se ha reducido –o expandido- a una pantalla. ¿Cómo vemos hoy en día las cosas que no están dentro de una pantalla? ¿Cómo percibimos un paisaje, un árbol o nuestro entorno? Pareciera que estos tiempos están construyendo una percepción novedosa.

La forma en cómo nos relacionamos con nuestra tecnología se traspasó a los sentidos: vemos, tocamos y oímos de manera distinta. En el arte pasa lo mismo, la experiencia de “ver una obra de arte” también está sometida a esta nueva percepción, pero se resiste y aún conserva una fuerte carga ritual: vemos en silencio, serios –tratando de parecer cultos-, no podemos tocar las obras, debemos guardar distancia y acercarnos a ellas a través de textos indescifrables. Todas estas experiencias nos hacen finalizar la visita aturdidos. ¿Cómo combinar esta nueva percepción y la experiencia del arte?

Colecciones de Imágenes un proyecto sobre la experiencia presente, un experimento visual donde todos los factores interactúan: nos introducimos a una máquina de relaciones que opera gracias a la participación del espectador, como un generador de imágenes y como un creador de la exhibición.

Sobre Gonzalo Pedraza
Es licenciado en Teoría e Historia del Arte y realizó un posgrado en Estudios Latinoamericanos, en la Universidad de Chile. Su obra gira en torno al coleccionismo en el mundo moderno, las ideas culturales sobre naturaleza y la cultura material, entre sus obras y proyectos destacan Colección vecinal (Galería Metropolitana en 2008, VII Bienal de Mercosur en 2009 y Matucana 100 en 2013), Colección de imágenes y Colección Televisiva (Matucana 100 en 2011 y 2012), Fósiles (Galería Metales Pesados en 2014), y Colección Natural (Corpartes en 2016). Su obra se encuentra en las colecciones de Juan Yarur y Fundación FAVA.

Entre sus publicaciones: Colecciones: obras 2008 a 2013 (con textos de Andrea Giunta, Osvaldo Sánchez y Peter Mason, 2016); Herbolaria Local: Cultura visual y natural en Chile siglo XIX y XX (ediciones Corpartes y Consejo Nacional de la Cultura, 2011-2016); De la pintura en Chile (Ocho Libros Editores, 2010); “Obras inodoras” (Revista Animal, Ciudad de México, 2010); Luis Camnitzer: De la CocaCola al arte boludo (Editorial Metales Pesados, 2009); y Paisaje y visualidad en el arte chileno contemporáneo (INCUBO/University Austin, Texas, 2009); “Galería Metropolitana: un disonancia en el campo artístico chileno” (revista Teoría del Arte, 2006).

Ha sido curador del Centro Cultural Matucana 100 entre 2010 y 2013, ha realizado proyectos curatoriales, entre ellos: Project Rooms 2011 y 2012, junto a Daniela Pérez y Úrsula Dávila (Feria de arte Ch.Aco), Retrospectiva Juan Pablo Langlois: 1969- 2010 (M100, 2012), Minimalismo made in Chile (M100, 2013), Yoshua Okón: CHILLE (Galería Gabriela Mistral, 2009).

Información útil

La entrada libre y gratuita
Horarios del Recoleta: martes a viernes, de 13.30 h a 22 h. Sábados, domingos y feriados de 11.30 h a 22 h. Lunes cerrado.

Con la curaduría de Sebastián Vidal Mackinson, Julieta Barderi presenta un conjunto de piezas trabajadas en diferentes disciplinas que diagraman sobre cuestiones ligadas a la magia. Aquí, se muestran algunas operaciones que conllevan a la transformación, la manipulación del tiempo, como también la presencia de portales y la arquitectura ancestral. A su vez, el uso del color fluorescente y la escritura de raigambre ritual, asoman de manera intermitente en estas piezas que las encadenan a la manera de elementos rotundos de un listado-sentencia: son los eslabones irremplazables que posibilitan que el conjuro surta efecto en su
precisa enunciación.

*Sobre Julieta Barderi
En 2006 egresó de la Escuela de Artes Visuales Regina Pacis. Asistió al taller de Alejandra Seeber y al de Eduardo Stupía en UTDT. Realizó clínica de obra con Tulio De Sagastizábal. En 2014 participó de la Beca FNA-CONTI donde realizó clínica con Eduardo Basualdo, Eduardo Stupía y Verónica Gómez. También realizó el taller “El texto de la obra” con Silvia Gurfein. Actualmente en el Programa de Artistas (UTDT) Universidad Torcuato DiTella 2017.

Casa FOA es esencialmente un espacio para el libre desarrollo de la creatividad, un lugar de encuentro en el que diseñadores, arquitectos, decoradores y paisajistas seleccionados por su talento y prestigio comparten con el público sus búsquedas y sus hallazgos.

Casa FOA surgió en 1985, como iniciativa de Mercedes Malbran de Campos y un grupo de señoras, con el propósito de recaudar fondos para la Fundación Oftalmológica Argentina “Jorge Malbran” (FOA).

Si la misión científica de la Fundación es acercar a más gente a una perfecta visión de las cosas, la idea motriz de Casa FOA es mostrar opciones para vernos mejor, proponiendo perfiles nítidos de los valores arquitectónicos y culturales del país, exhibiendo su capacidad para la creación de estilos y formas.

Un referente indiscutido en la agenda cultural del país y una cita ineludible para conocer las últimas tendencias del diseño en un marco de multiplicidad de gustos y estilos.

Este año Casa FOA tendrá lugar en Luis María Campos 1336.

La artista fueguina, quién recientemente fue seleccionada en la Bienal de Arte Joven de Buenos Aires y a su vez prepara su participación en la feria de arte canadiense Art Toronto y su primera exposición individual en una galería en el exterior: Alison Milne (Toronto, Canadá), presenta su muestra individual en Quimera.

Además, se puede ver y recorrer la intervención site-specific del artista Andréz Martínez: “La traición de las imágenes”, que cuenta con la curaduría de Gonzalo Silva.

La exposición se puede visitar de martes a viernes de 14 a 20hs y sábados de 10 a 14hs (exceptuando el primer sábado de cada mes en el que la galería permanece cerrada).

Sobre la muestra

Una serie de esculturas se presenta como estadios de una atmósfera mental / material imposible de clasificar. Por lo tanto la resonancia de las palabras sugiere siempre una articulación destinada a fracasar.

Lo que parece ponerse en relieve en la serie es el punto de contacto entre una acción o pensamiento y su trazo visible, impreso. El elemento invisible de la obra adquiere una relevancia clave en tanto modelador de la forma final de la materia. La forma visible que arroja la pregunta obligada sobre la acción que la precedió. Sobrevolando la acción física y la materialidad resultante, se encuentran el carácter y el temperamento que rigen el conjunto. Tracción, propulsión, esfuerzo, envión, voluntad.

El material elegido es la arcilla, y lo que se revela es su condición de mutante. Absorbente, permeable, plástica, líquida, sólida, evaporada, cuarteada, prensada, el ciclo de estadios de la arcilla y su reciclaje es infinito.

Estas 5 esculturas están trabajadas con arcillas de distintos lugares del país, cada una con una coloración propia. Una gama mineral desplomada en porciones sobre estructuras de hierro. Al lado, una serie de obras en papel, podrían interpretarse como una colección de alegorías arquitectónicas. Imágenes que deletrean signos provenientes de un archivo fotográfico y que en su totalidad sugieren una lectura hipertextual codificada de un espacio indeterminado, pero invadido por pistas y gestos.

Orden, catátrofe, vacío, espacio, tiempo, cambios de perspectiva, cambios de geografía. Esta muestra evoca movimientos que ejercen una fuerza de erosión, mutación y moldeado permanente de la imagen.

Acerca de Nacha Canvas

Nace en Ushuaia, Tierra del Fuego, 1990. Estudió Diseño Gráfico en la Universidad de Buenos Aires, donde dictó clases en la materia Morfología (Cátedra Enrique Longinotti) del 2013 al 2015. Paralelamente se forma en otras disciplinas: Cerámica, Bordado, Dibujo, Fotografía, Collage. En 2013 gana la Bienal de Arte Joven de Buenos Aires en la disciplina Artes Visuales, obteniendo una beca de formación en la Residencia Casa Tres Patios, en Medellín, Colombia. En 2015 presenta un Solo Project titulado Intento, en el Barrio Joven de ArteBa, con Quimera galería, proyecto que la lleva el mismo año a la feria ArtToronto en Canadá y que concluye un una muestra individual en Quimera en 2015. Durante el 2016 participa con Quimera galería en la feria PArC, en Lima, Perú, y con un site specific en la muestra ̈Bosquejar, esbozar, proyectar ̈de Quimera en Buenos Aires. Ese mismo año obtiene una mención de honor en el Premio Itaú de Artes visuales, con exposición en el Palais de Glace, Buenos Aires, y presenta su proyecto ̈Hiel de Buey ̈ junto a Quimera Galería como solo project en la feria Pinta, Miami. En 2017 participa con Quimera galería en la feria Art on Paper, Nueva York, y en la feria FACA, Buenos Aires. Y gana por segunda vez la Bienal de Arte Joven de Buenos Aires en la disciplina Artes Visuales obteniendo una beca para desarrollar el proyecto Friso, curado por Lara Marmor, Marcela Sinclair y Patricio Larrambebere. Sus obras forman parte de importantes colecciones de Buenos Aires, Lima, Nueva York, Toronto y Miami. Tras terminar sus estudios en 2016, vuelve a su ciudad natal Ushuaia, donde vive y trabaja.

La primera exposición panorámica de Sergio Avello en un museo, que recorre su amplia producción artística, desarrollada entre los años 1984 y 2010.

Con una importante selección de pinturas, objetos, obras lumínicas, música, documentos de época y registros audiovisuales, la exposición comprende el recorrido de Avello como artista. Un artista que también transgredió los márgenes de lo artístico y formó parte de un universo mayor: la música, la noche y los amigos que dinamizaron su práctica artística desplegada en fiestas, muestras y recitales.

Sergio Avello nació en Mar del Plata en 1964, y en 1983 llegó a Buenos Aires. En los ochenta la práctica de Avello buscaba a través de sus gestos mínimos y despojados evocar una idea de belleza entendida desde una percepción despreocupada de la realidad. Así, Avello se distinguía de los otros artistas de under pero a pesar de las diferencias estéticas, se integró, a un espíritu de época que se fundaba en el encuentro con la comunidad cercana y la acción continua. Empezó a organizar muestras con sus amigos artistas en espacios institucionales y alternativos de la época, entre ellas se destacan dos muestras que duraron sólo un día en la estación 3 de Febrero del Ferrocarril en 1988 y 1991.

En marzo de 1989 Avello inauguró su primera exposición individual en la galería de Adriana Rosenberg: Arte Decorativo Argentino. Nuevo exponente, una muestra que con los motivos, los colores, los formatos pequeños, el montaje limpio y aireado de la exposición hacían explicita la diferencia fundamental con su entorno.

Avello buscaba siempre lo nuevo, lo último, en la música, en las fiestas y en la vida. Con el inicio de los 2000, la abstracción lúdica de Avello se desplazó hacia los símbolos patrios. La crisis que atravesó el país en 2001 resonó en muchos artistas como un llamado a la acción. Avello trasladó sus planos de color a las banderas de Argentina y Estados Unidos. La bandera argentina se repite una y otra vez, en cuero, en corderito, en esmalte, en tubos de luz.

De esta manera, el Moderno, se propone descubrir a Sergio Avello, artista multipropósito que hizo de “el movimiento incesante una estrategia de supervivencia”, a través de una retrospectiva por sus objetos, cajas de luz, tablas policromadas, sus singulares banderas y el compendio de toda una creación artística que transgredió los límites de lo delicado y lo decorativo.

Con la curaduría de Julieta Sepich y Marcelo Marzoni, Jorge Haro presenta dinámica [input]. La muestra retoma el universo poético de Jorge Haro para desplegar una serie de constantes que emergen como familiares.

Su trazo sintético hace estallar las apariencias para concentrarse en la sutil transformación del sonido. La obra arriba al sentido desde el dato: ¿Qué se oculta detrás? ¿Qué opaca la estrategia? O al contrario: ¿Qué revela?

Como un juego de tenues oposiciones, Haro cifra un alfabeto personalísimo donde la materia prima es lo sonoro -o su ausencia- en términos físicos/perceptivos. Nos preguntamos entonces: ¿Qué escuchamos? ¿Cómo lo hacemos? ¿Cuál es nuestro “ancho de banda”? Se trata de poetizar la escucha desplazando el sonido en luz, en vibración, en materialidades ausentes. La obra deviene en un mapa fantasmal. Desafiante explora lo inmaterial: huellas que rondan como residuo, como rastros de lo audible. El movimiento es gesto momificado del proceso. A la vez emerge una suerte de contra-iconografía donde lo visual materializa lo inasequible del sonido: el margen imposible. La obra no teme a estas contaminaciones y sin máscara revela su puesta en escena: Simulacro de montaje-edición.

dinámica [input] le otorga un cuerpo-fantasma al silencio. Su paradoja reside en que Haro desocupa apelando a un juego de sustituciones: cambiar de medio para transformar. Principio de adaptación: Cuerpo anfibio. Su ideario de laboratorio nos habilita como voyeur de su experimentación: lo inacabado como formulación poética. Para desmantelar el artificio de lo sonoro, explora lo orgánico desde su concepción de síntesis y el tránsito para convertirse en artefacto y dispositivo.

Lo central en la obra es el proceso como resultado, como no-respuesta. En una suerte de cadavre exquis lo aleatorio -como forma de azar-, naturaliza los procesos artificiales. El artista nos lanza al juego y nos insta a resistir, a alterar nuestras lógicas perceptivas. Finalmente, dinámica [input] es movimiento y quietud; es pausa y pulso. Intensidad en el tiempo.

Por su parte, en planta alta intervención #3 del artista Sebastián Tedesco entra en diálogo con la producción del artista Eduardo Pla en la muestra permanente Historia de un Malentendido, con curaduría de Merlina Rañi. Tedesco es el tercero de siete artistas, junto con Kevin Kripper, Diego Alberti, Azul De Monte, Sebastián Tedesco, Lolo Armdz, Patricio González Vivo y Manolo Gamboa Naón, invitados a lo largo del año, y que sucederán mes a mes a intervenir parte de la selección de la muestra permanente de Pla.

Sobre Jorge Haro
(Buenos Aires, 1963) Artista. Actualmente es curador del ciclo de conciertos y performances audiovisuales Escuchar [Sonidos Visuales], del Museo de Arte Moderno de Buenos Aires. Su producción investiga los aspectos estéticos y científicos del sonido y las vibraciones, con particular interés en la escucha expandida, la visualización del sonido, las relaciones audiovisuales y los procesos de transformación de datos. Ha realizado conciertos audiovisuales, instalaciones y exhibiciones en América y Europa. Se destacan sus presentaciones en Sónar +D Buenos Aires (Argentina, 2016); New River Studios (Inglaterra, 2016); Festival Internacional de la Imagen (Colombia, 2014); Festival Tsonami (Chile, 2013); Situación Sonora: La Deriva Aural, en el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía (España, 2012); Skolska 28 (República Checa, 2011); Festival LEV (España, 2010); Là-Bas Biennale (Finlandia, 2010); Ha colaborado con cineastas, video artistas, net artistas y directores de teatro y de danza. Ha realizado residencias artísticas en el Centro Mexicano para la Música y las Artes Sonoras (CMMAS), y en el EMS Elektronmusik Studion, Estocolmo, Suecia.

Un Festival que genera un punto de encuentro entre público y artistas. Un espacio de cruce y celebración, donde los artistas tienen la oportunidad de dialogar y convivir con creadores de distintas disciplinas.

Durante una semana, la Ciudad de Buenos Aires se convierte en escenario del arte de jóvenes de 18 a 32 años que, gracias a este proyecto, al financiamiento y a las tutorías que reciben, pueden potenciar su trabajo y su carrera trabajando en sus proyectos durante meses para exponerlos después en el Festival que organiza la Bienal.

Un total de 800 artistas integran los equipos de las 230 obras y proyectos participantes de las cinco disciplinas de la Bienal: Artes escénicas, Artes visuales, Artes audiovisuales, Música y Literatura.

¿Qué podremos ver?
8 proyectos escénicos
6 proyectos en artes visuales
3 series web
16 escritores con novelas breves
25 bandas y solistas

Durante los 7 días que dura el Festival las obras comenzarán su proceso de circulación y exhibición en El Centro Cultural Recoleta y 13 sedes más de la ciudad. Allí se presentarán los 17 proyectos desarrollados y más de 170 obras de los artistas seleccionados. También se publicarán dos antologías, una de cuento por Eterna cadencia y otra de poesía por Editorial Mansalva mientras que en música, las bandas y solistas se presentarán en vivo en el Festival y competirán por la grabación, edición, reproducción y difusión de un disco. Un Comité de premiación será el encargado de seleccionar hasta 4 bandas y/o solistas ganadores.

Ingresá a la web de la Bienal para conocer los proyectos seleccionados: https://bienal.buenosaires.gob.ar/

Patricio Peñalba, Adriana González y Andrea Lavia Prat presentan “Panoramas Vitales”, una muestra que reúne el trabajo fotográfico de los tres artistas, con curaduría de Vanesa Vicencio Dubost.

Horarios: de lunes a viernes, de 10 a 20hrs.

Sobre Patricio Peñalba

Patricio Peñalba es investigador de movimientos sociales y trabaja especialmente vinculado a las temáticas de refugio, desplazamiento forzado y migración en los ámbitos urbanos y rurales. La fotografía es para él una herramienta desde dónde abordar los causales estructurales de estos procesos y sus efectos sobre los diferentes espacios y aspectos de los pueblos y de sus culturas. “Expulsiones” es una búsqueda por testimoniar la magnitud –por goteo- del impacto de las dinámicas políticas y económicas, históricas y actuales, locales y globales, sobre las poblaciones rurales en Iberoamérica.

Sobre Adriana González Docente

Docente de química, desarrolla la fotografía analógica durante 20 años aplicando dichos conocimientos en el viejo cuarto oscuro. Posteriormente se vuelca a lo digital, realiza cursos y talleres específicos de Edición Fotográfica para Libros, Ensayo Documental, Imagen Fotográfica, Espacio Urbano y Espacio Íntimo, Técnica Experimental, La Mirada, Fotografía Callejera ,etc.; siendo impartidos por fotógrafos de la talla de Julie Weisz, Tony Valdez, Pablo Garber, Alberto Goldenstein, Julieta Escardó, Ignacio Iasparra y Guillermo Ueno. Paralelamente participa en exhibiciones en galerías y centros culturales de Buenos Aires, Capilla del Señor, Navarro, Villa Paranacito y Mercedes. Es jurado en Concursos de Fotografía en la E.T. No27 Hipólito Yrigoyen y en la Agrupación Institucional Haedo.

Sobre Andrea Lavia Prat

Andrea Lavia Prat es egresada docente del Prof. Normal N°4, estudió en Foto Club Buenos Aires, en el CCRRojas, y más tarde en la U.B.A. Semiótica de la imagen fotográfica, producción, realización e investigación junto a Andrea Chame. Continuó su aprendizaje talleres junto a Filiberto Mugnani, Alberto Goldenstein, Carlos Furman, Lena Szankay, Romina Resuche y Adriana Lestido. Dio clases para Adolescentes en Motivarte, en Sub Cooperativa de fotógrafos y coordina desde hace algunos años su propio taller para jóvenes y adultos en la Escuela Taller de Arte Germinarte

Sin título es el proyecto de mayor escala realizado hasta el momento por Elba Bairon (n. La Paz, Bolivia, 1947) y cuenta con la curaduría de Sofía Dourron –Curadora del Moderno–. Su inauguración en el Museo fue programada en diálogo con las exposiciones dedicadas a Liliana Maresca y Sergio Avello, en las que se ponen en discusión las problemáticas vinculadas a las escenas artísticas de los años ochenta y noventa y el contexto cultural y político del cual formaron parte. Bairon compartió la escena artística de Buenos Aires tanto con Avello como con Maresca, cruzando sus caminos en muestras, proyectos conjuntos y amistades.

En los inicios de su carrera, la artista hacía grabados y litografías, sin embargo a comienzos de los años noventa, las líneas que antes se extendían sobre el papel se convirtieron en pequeños relieves que rozaban lo decorativo al incorporar molduras y ornamentos coloridos de yeso, pasta de papel y fieltro. Como resultado de su experimentación con los materiales y las técnicas, a fines de los noventa los relieves se transformaron en esculturas de formas orgánicas, naturalezas muertas y abstracciones de pulidos perfectos. Estas figuras, que ponen en juego tanto curvas como direcciones en fuga, recuperan y re-inventan el lenguaje de la escultura clásica y moderna llevando al extremo la simplicidad de las formas.

Las instalaciones de Bairon, como sostiene la curadora, “conviven en un tiempo detenido, congelado en el instante preciso en el que alcanzan un equilibrio perfecto entre tensión y serenidad”. El blanco de las superficies, la levedad de la figuración, la simplicidad de las líneas e incluso la ausencia de títulos hacen que estas piezas se resistan a ser nombradas; llaman al silencio. La artista apela a nuestra capacidad de ver, oír y sentir, y de esta manera, recupera una experiencia de aquello que no se puede nombrar, que no narra el mundo, sino que lo devela.

Bairon comenzó a dibujar casas hace tiempo. Lentamente en estos dibujos se fue formulando un nuevo universo: la casa reducida a su forma esencial. Sin título es una obra de contornos rectos, despojada de sus ornamentos, de sus terminaciones y de sus colores, cuya escala no es completamente humana. Se trata de una construcción hermética que desafía nuestra percepción del espacio y de la arquitectura. Recorrerla produce una sensación de desconcierto, su escala, de dimensiones extrañas, demanda del cuerpo un momento de detenimiento y ajuste de coordenadas.

Con esta obra, producida específicamente para la sala del segundo subsuelo del Museo de Arte Moderno de Buenos Aires, Bairon persigue una imagen precisa en la cual rige la pureza de las formas y donde la simplicidad de las líneas trasciende la geometría. Se trata de una geometría blanda que emerge de las formas orgánicas, una “geometría afectiva” como la define la artista, “un estado de compensación de la curva”.

Biografía Elba Bairon
Elba Bairon nació en 1947 en La Paz, Bolivia. A los cinco años dejó su país de origen para instalarse en Uruguay. Estudió escultura en la Escuela de Bellas Artes de Montevideo y pintura china en la Biblioteca Nacional. En 1967 se trasladó definitivamente a Buenos Aires. En la década del 70 se dedicó a dibujar y estudió cerámica en el taller de Enzo Kabregú.
En los 80 continuó su formación estudiando grabado en el taller de Alfredo de Vincenzo y litografía en el taller de Eulogio de Jesús. En 1984 y 1987 recibió el Premio de Grabado a Extranjeros del Salón Nacional de Buenos Aires. Paralelamente realizó escenografías y vestuarios para las obras teatrales del dramaturgo Emeterio Cerro.
Participó de la XII Bienal Internacional de grabado en Cracovia, Polonia (1988), Bienal Latinoamericana de Artes Gráficas en el Museum of Contemporary Hispanic Arts de Nueva York (1988), IX Bienal de Grabado de San Juan, Puerto Rico (1990), Intergrafik 90 en Berlín (1990) y de la Trienal de Grabado en Osaka, Japón (1991).
En 1996 comenzó a trabajar en relieves y obras en volumen, así como en objetos e instalaciones en pasta de papel y yeso. Dos años más tarde recibió la Beca del Fondo Nacional de Bellas Artes, con la cual comienza a trabajar relieves en yeso de mayor escala.
En 2001 ganó el Premio Adquisición de la Bienal de Arte de Bahía Blanca y en 2008 el Premio Concurso 50 Aniversario del Fondo Nacional de las Artes. En esta etapa participó de dos residencias: RIAA07, Residencia Internacional en Ostende Buenos Aires (2007) y Residencia Capacete Entretenimientos en Río de Janeiro, Brasil (2009).
En el Centro Cultural Ricardo Rojas presentó individualmente sus exposiciones Escultura y objetos (1997) y Danza con otros – performance (2004), ambas curadas por Gumier Maier, y en el Macro-Museo de Arte Contemporáneo de Rosario realizó S/T (2007).
A partir de su experiencia en Brasil expuso en la muestra colectiva Elogio a la diversidad en el consulado Argentino en Río de Janeiro (2010) y un año más tarde realizó una instalación en la galería Zavaleta Lab a partir de dibujos y fotos tomadas durante la residencia en Río de Janeiro.
También participó en numerosas exposiciones colectivas en el Centro Cultural Recoleta, Fundación PROA, Museo Nacional del Grabado, Museo de Arte Moderno de Bahía Blanca, MAT-Museo de Arte de Tigre, Espacio Fundación Telefónica, Espacio Casa de la Cultura de Buenos Aires, Centro Cultural Parque de España (Rosario), Centro Cultural Borges y Fundación Federico Klemm, entre otros museos y galerías de arte del país.
En 2012 ganó el Gran Premio Adquisición del Salón Nacional de Buenos Aires, en la categoría “Nuevos Soportes e Instalaciones” con la obra Sin título (2008), realizada en yeso, ladrillos Retac, tabla de madera y esmalte sintético, y el Primer Premio Adquisición del XVI Premio Federico Jorge Klemm a las Artes Visuales con la obra Sin título (2012), realizada en yeso y pasta de papel.

Se trata de una exposición en el que los dos artistas realizaron obras inspiradas en el imaginario, el paisaje y el patrimonio de Tigre.

MAX GÓMEZ CANLE EN FULMINANTE. El Delta como ramificación de la pintura, la historia y las ficciones.

El proyecto que derivó en Fulminante comenzó con una investigación de la iconografía del paisaje de Tigre, especialmente sobre el Delta y de los artistas que trabajaron esta temática.
Gómez Canle realizó relevamientos de paisaje y el patrimonio de los museos del distrito. Fue así que al conocer el Museo de la Reconquista vio por primera vez Explosión del Fulminante, una pintura de Antonio Somellera, que retrata la explosión del buque depósito torpedero llamado Fulminante, en el apostadero del Río Luján acontecida en 1877, siniestro del cual se cumplen 140 años el 4 de octubre.
En la obra de Somellera, a quien Gómez Canle considera “un Cándido López naval” se puede apreciar en detalle el hongo que generó la explosión de la Santa Bárbara, visible a varios kilómetros según las crónicas de la época, y la lluvia de esquirlas de hierro que cayó varias cuadras a la redonda. Esta explosión y su registro pictórico se transformaron en el centro expansivo de un proyecto que implica cruces y desvíos entre pintura, historia y ficción.
“Esta obra, desconocida para mí hasta entonces, es la que articuló el resto de mi investigación que involucraba los trabajos de Prilidiano Pueyrredón, Carlos Barberis y Horacio Butler; éstos me permitían hacer un recorrido amplio de la historia del arte argentino y a la vez del Delta”, dice Gómez Canle y afirma: “Tomando a estas obras como túneles o portales entre ficción y realidad, la explosión del barco funcionó para mí como un Big Bang, y así como el río se ramifica en el Delta, las historias y ficciones se desplegaron desde este evento original, colapsando y entremezclando pasado, presente y futuro, lo verídico y lo fantasioso”.
Gómez Canle propone así a la pintura como un fluido que revela mundos ocultos y re-elabora la relación entre historia y ficción. En colaboración con el artista Mauro Cruz, Gómez Canle se embarcó en ese fluir recreando en un biombo, pinturas de un Prilidiano Pueyrredón tardío; ambos desarrollaron y encarnaron un movimiento de artistas pleinairistas anarquistas seguidores de Carlos Barberis, generando pinturas y objetos de estos barberistas, obsesionados con las ruinas del fulminante, el limo, el barro y el óxido; y por último poseídos por el fantasma de Horacio Butler, imaginaron una “noche americana eterna” (día por noche) en la que la lluvia de esquirlas del vapor torpedero es incesante.
“Max con su muestra revive el hecho, hace que aparezca, lo representa, sustituye a la cosa y así cae en una situación que interrumpe el tiempo y hace que se requiera de la presencia de los sentidos”, afirma Albertina Espartaco Klitenik, Productora de Contenidos de la Casa de las Culturas. “Los sentidos muestran a cada hombre un mundo diferente. Los sentidos son las guías para llegar a la verdad. Max a través de su pintura nos transporta a aquellas verdades ocultas en las profundidades del río”.

LUX LINDNER EN EL REGRESO DEL ASTRÓLOGO. El Delta como utopía y destino.

En el proyecto El regreso del Astrólogo, el artista Lux Lindner partió de un trabajo de campo intuitivo y tomó contacto con su imaginario para observar sus ocurrencias, es decir, aquellas cosas que se podían oler, espiar, transformar en desafío y producción.
El resultado fue el encuentro con una situación ficcional que recupera la idea del Delta como zona de refugio y de vida alterna pero cercana a la gran ciudad. El regreso del Astrólogo referencia al famoso personaje de las obras de Roberto Arlt: Los siete locos y Los lanzallamas. En Los lanzallamas el astrólogo desaparece. Lindner imagina su regreso y el destino es el Delta.
“La exposición está pensada como una tercera parte, continuación de las novelas antes mencionadas”, afirmaba Lux Lindner mientras estaba comenzando a planear la exposición. “¿Qué habría pasado si Artl seguía vivo y decidía escribir una continuación? ¿O fallecía y desde el más allá dictaba una tercera novela o continuación? Siempre me inspiró algo… El personaje más importante, el astrólogo, desaparece y nadie sabe a dónde va. ¿Y qué hizo? Alguien se entera después de muchos años, de que está escondido en alguna parte de Tigre y hay que ir a buscarlo. Entonces eso se une con otra historia, El Corazón de las tinieblas de Joseph Conrad, perdido en medio de la selva. Así, me puse a armar unmashup que todavía está en proceso. Y de hecho esto puede tomar la forma de un cuento,performance, o tal vez de puesta teatral en la que alguien describa la situación”.

El devenir del proyecto fue generando un conjunto de obras en distintos soportes que conforman una tercera parte de novela muy particular, en la que intervienen dibujos, pinturas, una obra audiovisual exclusiva y una performance inédita a cargo del polifacético artista.
“Lux Lindner es un inventor de formas, o mejor dicho un detector de formas novedosas desde una narrativa sin duda inspirada en el paisaje circundante”, destaca Albertina Espartaco Klitenik. “Lindner presenta en esta muestra una suerte de película desarmada, casi se trata de cine expandido, o mejor dicho de un STORYBOARD EXPANDIDO que se desarma en dibujos, performance y video intentando revelar el misterio del astrólogo arltiano sumergido y reaparecido en el Delta de Tigre en el siglo XXI.”

En el marco de ambas muestras se realizarán actividades especiales, charlas y un programa educativo.

En el marco del Concurso Laboratorio de Prácticas Curatoriales la galería Gachi Prieto inaugura Una unidad indivisible, de Gonzalo Lagos, con obra de Cervio Martini, Lucrecia Lionti, Nina Kovensky, Ulises Mazzucca y una performance de Florencia Vecino y Triana Leborans.

El Concurso Laboratorio de Prácticas es una convocatoria abierta a nivel nacional, cuyo premio consistió en dos becas con apoyo financiero como incentivo para la investigación, el intercambio y el seguimiento de proyectos curatoriales para la realización de dos exposiciones en el espacio de exhibición proporcionado por la galería. El jurado fue compuesto por Lara Marmor, Federico Baeza, Mariana Rodriguez Iglesias y Sebastián Vidal Mackinson. “Una unidad indivisible” es la primera de las dos exhibiciones a realizarse.

¿De qué se trata?

El proyecto se articula en torno a cinco obras que ponen en tensión las nociones de cuerpo, poder y propiedad, problematizando, en cada una de sus prácticas, de qué manera los vínculos culturalmente mediatizados configuran nuestras fuerzas emocionales y sensitivas. La búsqueda apunta a poner en relieve cómo y cuándo estas producciones generan resistencias, nuevas direcciones y cambios que están íntimamente ligados a su praxis artística pero también a su praxis política como un punto de encaje que se aproxima a la vida.
El esquema que traza “Una unidad indivisible” apunta a la activación como prueba precisa que la mantienen orgánica y dinámicamente funcionando. El cuerpo se presenta como vector para pensar su funcionamiento vivo, respirando y latente.
El registro actúa como instancia de conocimiento, tomando al cuerpo, sus limitaciones, controles e imposiciones como herramienta y creando discursos enmarcados en pensar el arte contemporáneo en consonancia con los testimonios que ejecuta y produce esta asociación.

Sobre el curador
Gonzalo Lagos nació en la ciudad de Neuquén en 1988. Bailarín formado en la Escuela Experimental de Danza Contemporánea de Neuquén y licenciado en Artes por la Universidad de Buenos Aires. Actualmente cursa el programa de Artistas y Curadores de la Universidad Torcuato Di Tella. Como curador independiente, lleva adelante proyectos que vinculan las Artes Performáticas como instancias de investigación y puesta en práctica de los discursos del cuerpo como estudio y procedimiento, aplicando problemáticas y discusiones de las Artes Visuales en la creación. Actualmente, trabaja en el Parque de la Memoria, Monumento a las Víctimas del Terrorismo de Estado, vinculando las prácticas artísticas con memoria y derechos humanos.

Sobre los artistas
Cervio Martini exhibe la obra MIS-MEDIDAS-SON, en la que escanea distintas zonas de su cuerpo con la intención de mostrar en cada recorte de la imagen todo aquello que constituye y conforma su entramado fisiológico y vital: proteínas, urea, tejido conectivo, secreciones, potasio, huesos, piel.
Esas impresiones, asociadas a la vida personal del artista, reúnen una serie de objetos que representan específicamente el paso del tiempo de su cuerpo impregnado de experiencias
naturales e impuestas por factores externos.

Florencia Vecino y Triana Leborans participan en la exhibición con la performance POSA, pieza realizada en conjunto. Es un proyecto que se desarrolla en vínculo directo con las personas que circulan en el espacio donde se pueden enunciar algunos elementos formales: movimientos discontinuos, imágenes incompletas, juegos en lo súbito de la permanencia, copia de gestos/movimientos de los visitantes que recorren el espacio, pero sin observarlos directamente.

Lucrecia Lionti exhibe una tela de 3×2 metros pintada y bordada que colgará desde un cable de acero tensado de pared a pared a lo ancho y largo del espacio y en forma diagonal. La idea apunta a visualizar cómo la materialidad toma cuerpo hacia el espacio, lo ocupa y lo vuelve instancia corpórea para visualizar en un recorrido 360°.

Nina Kovensky muestra un dispositivo que apela a un formato de documentación audiovisual,
reúne dos videos conduciendo al espectador a pensarse como hacedores del registro. En un caso, la visión cenital de un patio escolar irrumpiendo en el comportamiento cotidiano de los alumnos y provocando en ellos una respuesta lúdica que pone en foco a la cámara como instrumento de interacción y llamado de atención para el intercambio de gestos, palabras, movimientos. Es una referencia directa a pensar ese espacio como un momento de “libertad controlada” en la cual las reglas imponen determinados comportamientos. En el otro caso, la cámara registra la visión de guardias de vigilancia privada que se encuentran en pantallas en los halls de edificios relevando qué tipo de intercambio resulta de la presencia de la cámara como un cuerpo que se instala en esos puntos y sostiene la acción de filmar durante un tiempo extendido, rastreando ese dispositivo que todo lo ve y controla desde una central.

Con el fin de promover la industria del diseño y su comercio el gobierno de la Ciudad lanza la segunda edición de la “Semana del Diseño”, que se celebra todos los años durante la segunda semana de octubre en Buenos Aires.

Entre otras cosas, esta semana busca fomentar y acercar el diseño a la mayor cantidad de gente posible; diseñar una agenda concentrada con atractivos y promocionar internacionalmente la Semana en sinergia con otras ciudades del mundo.

ACTIVIDADES DE LA SEMANA

• Se potenciará la Semana del Diseño Buenos Aires con la interacción de la 30ª edición de la Bienal de Arquitectura que se realizará en La Usina del Arte durante las mismas fechas, aumentando el público de ambas y trabajando en sinergia.
• La Revista de Arquitectura y Diseño de Interiores D & D y la Asociación Argentina de Diseñadores de Interiores (DARA) presentarán “La Feria”, exposición del mejor diseño en mobiliario y objetos.
• CASA FOA mostrará lo último en diseño de interiores y arquitectura como todos los años este año en la sede de Luis Maria Campos.
• El Centro Cultural San Martín desarrollará un programa de conferencias con los mayores referentes del diseño local bajo la pregunta ¿Qué es hacer diseño? junto al British Council.
• Distrito Arenales presentará Tendencia Arenales, una acción donde todos los locales de las inmediaciones de la calle arenales relacionadas al diseño salen a la calle a mostrar creatividad a partir de cruzas con más diseñadores en un trabajo colaborativo interviniendo vidrieras y fachadas. Llevando una fiesta a la calle .
• El Festival Internacional de Diseño acogerá, entre otras acciones, a las conferencias de Diseño de Alimentos Food Design y la muestra del Sello de Buen Diseño 2017 en el Centro Metropolitano de Diseño.
• Estudio Bulla realizará una conferencia de su ciclo “Escapes” en Barrio los Andes donde se debatirán cuestiones relacionadas al diseño, el paisajismo y la arquitectura.
• PROA realizará un ciclo de charlas interdisciplinarias con el fin de potenciar el diseño y las disciplinas afines como el arte y la arquitectura.
• Casa Cavia realizará una muestra de la mano del Museo del Traje donde mostrará indumentaria a través del tiempo en nuestro país y también presentará el libro Pasado de Moda de la Editorial Apersand.
• Ciclo de charlas en torno al Diseño de Moda coordinado por Vero Ivaldi
• Creative Mornings Buenos Aires en Areatres realizará su ciclo de charlas , esta vez tratará el tema “Pioneros”.
• Feria de Diseño en el Distrito de Diseño . Central Park Barracas.

¿Cuál es la historia y como se conformaron las colecciones de este emblemático Museo español? ¿Cómo llegaron a sus acervos las obras de Tiziano, El Greco, Velázquez, Rubens o Goya?

Una imperdible charla que develará historias y secretos de uno de los grandes tesoros culturales de España y el mundo.

Por la magnitud artística de sus colecciones, el Museo del Pardo se sitúa como uno de los mejores museos del mundo, y un referente fundamental de la cultura europea.
Inaugurado en 1819, el Prado alberga la magnífica colección que lograron reunir los monarcas españoles durante varios siglos. Desde Carlos I hasta Fernando VII, los reyes de España fueron destacados coleccionistas de arte europeo y sus valiosísimas colecciones se convirtieron en el germen de la actual colección de Museo, que abarca en la actualidad más de 2.000 años de historia, partiendo del mundo clásico para llegar hasta los comienzos del siglo XX.
La conferencia abordará distintos aspectos relacionados con la formación de las colecciones, destacando aquellas de artistas tan emblemáticos como Tiziano, El Greco, Velázquez, Rubens o Goya, cuya obras maestras sirvieron de enseñanza para nuevas generaciones de artistas, y fueron referente para movimientos artísticos modernos, impresionistas y expresionistas, siendo hoy el gran tesoro cultural de España.

Oradora: Paloma Málaga Shaw
Es licenciada en Historia del Arte por la Universidad Complutense de Madrid, y restauradora de pintura por la Fundación Colegio del Rey de Alcalá de Henares. En los años 2007-2008 realizó un curso de posgrado de Gestión Cultural en la Universitat Oberta de Cataluña.
Lleva trabajando en el Museo Nacional del Prado desde 1995, donde comenzó su labor para el Área de Protocolo, atendiendo delegaciones extranjeras que visitaron Madrid con motivo de la capitalidad europea.
En el año 2004 entró a formar parte del Área de Educación ocupándose de los itinerarios que se ofrecen habitualmente para el público visitante, y en el año 2007 comenzó a gestionar las actividades culturales del Área, coordinando los ciclos de conferencias, cursos, congresos, conciertos, cine, teatro, y todo un amplio abanico cultural que el Museo del Prado ofrece a sus visitantes.
En junio del 2013 ganó mediante oposición pública la plaza de Gestión de las Actividades Culturales del Área de Educación y desde entonces hasta la fecha coordina el programa cultural del Museo Nacional del Prado.
Ha explicado la colección del Museo del Prado a Ministros, Presidentes Autonómicos, Secretarios de Estado, la Primera Dama de Israel, Oliver Stone, Barbra Streisand, y Stephen Hawking, entre otros muchos.
Ha impartido cursos de Iniciación a las Colecciones del Museo para la Fundación de Amigos, cursos de Formación de Profesorado y cursos de Formación para empleados del Museo.
Ha pronunciado conferencias sobre diversos temas de arte en España, México e Italia.
También ha trabajado en otros ámbitos, como empresas de viajes culturales, en las salas de subastas internacionales Sotheby´s y Finarte, y ha publicado varios artículos en revistas de difusión cultural.

Actividad gratuita con capacidad limitada. Inscripción: 4803-4062 / 4804-9290 Int. 211/215.

El cine es otra cosa es el ciclo de video y cine experimental del Moderno.

Desde 2013, el programa se desarrolla siguiendo ejes temáticos en su programación, profundizando el abordaje de las más diversas producciones audiovisuales experimentales contemporáneas, convocando a artistas argentinos y extranjeros. Este año, la programación está dedicada a la noción de underground, con las variadas formas que el cine puede tomar en ese universo de diversidad estética. Curadores: Gabriela Golder y Andrés Denegri.

Decir #2 (de prácticas y pensamientos)

Artistas invitados: Leticia Obeid / Julián D´Angiolillo
Conversación con proyección audiovisual

Dentro de su programación semanal El cine es otra cosa propone encuentros mensuales para conversar sobre la producción audiovisual contemporánea. Una obra, varias, fragmentos, citas, similitudes, diálogos, conflictos. Artistas de reconocida trayectoria conversarán entre ellos sobre sus obras.

El cine es otra cosa es el ciclo de video y cine experimental del Moderno.

Desde 2013, el programa se desarrolla siguiendo ejes temáticos en su programación, profundizando el abordaje de las más diversas producciones audiovisuales experimentales contemporáneas, convocando a artistas argentinos y extranjeros. Este año, la programación está dedicada a la noción de underground, con las variadas formas que el cine puede tomar en ese universo de diversidad estética. Curadores: Gabriela Golder y Andrés Denegri.

El Yo en el centro. Inmensamente personal / inmensamente político

Un programa de video dedicado a las artistas Deirdre Logue y Allyson Mitchell (Canadá)

Deirdre Logue es una artista de cine y video cuyo trabajo se centra en el yo como sujeto. Sus fascinantes series de videos de autorretratos para los que utiliza la “performance para la cámara” como principal modalidad de producción investigan qué significa ser un cuerpo queer en la era de la ansiedad. Las performances grabadas de Logue, que se sumergen en lo más profundo del inconsciente, son una maraña de dudas, perversión, duración, sexualidad y desasosiego psíquico. Sus obras, que se ubican en un feliz término medio entre el exceso y la escasez, la autoliberación y la autodestrucción, resultan indóciles y extrañas a la vez. Deirdre Logue es Directora de Desarrollo de Vtape, la principal organización de distribución de videoarte de Canadá.

Allyson Mitchell es una artista maximalista. Política al máximo. Medios al máximo. Su trabajo abarca la escultura, la performance, las instalaciones, el dibujo, la música y el cine. Entre sus proyectos actuales se incluye la colaboración con otros artistas para generar espacios inmersivos de gran escala que potencian la justicia social a través de la creación y exposición artística. Mitchell ha creado varios videos y películas breves de índole autobiográfica que se han proyectado internacionalmente y en todo Canadá en festivales y emisiones retrospectivas. Es profesora adjunta de Estudios de las Mujeres y de Género en la Universidad York de Toronto.

En 2010, ambas fundaron la FAG (Feminist Art Gallery). La FAG tiene su base en Toronto y también recorre espacios satélite de todo el mundo. Con el fin de construir un sentido de comunidad para cultivar un arte feminista/queer sostenible, la FAG ha facilitado la realización de exposiciones de arte y brindado oportunidades a artistas emergentes e invisibilizadas. A través de la FAG, han sido curadoras de proyecciones fílmicas para, entre otros, Cinenova UK, el foro Oakville Galleries de Ontario, Canadá, y el SFMOMA (el Museo de Arte Moderno de San Francisco).

El festival está dirigido a todo aquel que esté interesado en redescubrir la arquitectura y el urbanismo de la ciudad de Buenos Aires. Pone a disposición una serie de interiores privados de valor arquitectónico, cultural y patrimonial –que por lo general están cerrados al público–para ser visitados con la colaboración de aquellos voluntarios que generosamente ofrecen su tiempo para acompañar y comentar las recorridas.

De esa manera, construye a través de la voluntad y el trabajo de todos, un conocimiento colectivo y compartido que busca desarrollar herramientas que permitan agudizar la mirada sobre nuestra ciudad. Así nos volvemos capaces de exigir lugares de calidad para el desarrollo de la vida urbana. Los ciudadanos de cada barrio podrán conocer el patrimonio más cercano y el más lejano, el particular y el público, y situarlo dentro de la experiencia y la historia de cada uno, aprendiendo a valorarlo.

Open House Buenos Aires forma parte de Open House Worldwide Family. El concepto Open House se de desarrolla en todo el mundo y en los 5 continentes, en ciudades como Londres (ciudad fundadora), Melobourne, New York, Roma, Madrid, entre otras. Un fin de semana al año cada ciudad, bajo el mismo concepto internacional y con una organización local, acerca los ejemplos más notables e influyentes de la arquitectura el urbanismo y el diseño de cada ciudad y de forma totalmente gratuita para que sus habitantes los visiten.

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