Para esta exposición, Diego Bianchi (Buenos Aires, 1969) fue invitado a desarrollar un proyecto en una de las salas del Moderno, donde propuso provocar un encuentro entre su obra y el patrimonio de la institución. Así, en El presente está encantador, curada por Javier Villa -Curador senior del Museo– Bianchi se nutre de la colección para transformarla en una gran obra, una instalación transitable y envolvente, donde se mezclan piezas propias y de artistas como Tomas Abal, Roberto Aizenberg, Antonio Amendola de Tebaldi, Ary Brizzy, Mildred Burton, Zulema Ciorda, Enio Iommi, Jorge Gamarra, Olga Gerding, Edgardo Giménez, Norberto Gómez, Alberto Heredia, Gyula Kosice, Eduardo Mac Entyre, Margarita Paksa, Aldo Paparella, Rogelio Polesello, Emilio Renart, Ruben Santantonín y Miguel Ángel Vidal, entre otros. Como afirma Javier Villa: “El presente se devora así el pasado, pero el pasado tampoco deja de perseguir al presente como un karma: ciertos artistas de la colección desdibujan la autoría de Bianchi, ya que varios de sus objetos podrían confundirse con un Alberto Heredia o un Enio Iommi”.

El artista exhibe por primera vez en Argentina una muestra pensada especialmente para este espacio de arte y memoria.

Nacido en Bombay en 1954, y radicado en Londres, Kapoor es uno de los artistas contemporáneos de mayor relevancia en la escena internacional. Con la curaduría de Marcello Dantas, “Destierro” propone una exposición que está integrada por tres obras: “Imagine Blue”, “Anxiety” y “Destierro”. Estas tres obras forman un conjunto conceptual donde Kapoor problematiza la relación entre la materia y la percepción. Su site-specic busca también vincular los exilios del pasado con los desarraigos del presente.

En un contexto mediado por la virtualidad, la obra de Kapoor es una llamada de atención acerca de la importancia de la relación física, corporal, entre la obra y el espectador, ya que, para él, es este vínculo directo y presencial el que propicia un estado particular de percepción y un modo singular de mirar, de sentir y de pensar.

Exhibir la obra de Kapoor en el Parque de la Memoria propicia una experiencia estética de alto contenido simbólico que provoca en espectadores y visitantes no sólo un estado de introspección y reflexión personal sino, además, una profunda conexión con lo social y comunitario que se aloja en todo individuo.

Anish Kapoor es considerado uno de los artistas contemporáneos más importantes de la escena internacional. Tal vez sea más conocido por sus esculturas en espacios públicos, que son tanto aventuras formales como hazañas de la ingeniería, pero en sus múltiples series de trabajo maneja escalas y formatos muy diferentes. Enormes pieles de PVC, estiradas o destinadas; espejos cóncavos o convexos cuyos reflejos atraen y engullen al espectador; huecos tallados en piedra y pigmentados hasta desaparecer: estos vacíos y protuberancias evocan profundas polaridades metafísicas de presencia y ausencia, ocultación y revelación. En sus obras las formas parecen plegarse desde adentro hacia afuera, como una matriz, y los materiales no se pintan, sino que se impregnan de color, como negando la idea de una superficie externa e invitando al espectador a los confines de la imaginación. Las obras geométricas de Kapoor de principios de los años ochenta, por ejemplo, se levantan del suelo y parecen estar hechas de pigmento puro, en tanto que las viscosas esculturas de cera de color rojo sangre de los últimos diez años, cinéticas y autogeneradoras, arrasan con sus propias superficies y hacen estallar la tranquilidad del entorno de la galería. Resuenan las mitologías del mundo antiguo –indio, egipcio, griego y romano– y de los tiempos modernos, en los que proyectan su sombra los acontecimientos del siglo XX.

Nació en Bombay, India, en 1954 y vive y trabaja en Londres. Estudió en el Hornsey College of Art (1973–1977) y realizó sus estudios de posgrado en la Chelsea School of Art, Londres (1977–1978). Sus principales exposiciones individuales recientes comprenden: Museo d’Arte Contemporanea di Roma.
Cabe destacar la dimensión que implica realizar en un espacio de memoria público y gratuito la primera exposición de uno de los artistas más relevantes de la escena del arte contemporáneo mundial. Esta exposición producida por el Parque de la Memoria y el Gobierno de la Ciudad de Buenos Aires, en conjunto con el estudio Kapoor en Londres; cuenta con el acompañamiento del British Council, la Embajada del Reino Unido y el Banco Ciudad.

Eduardo Basualdo. Dolores Cáceres. Aili Chen.  Christian Delgado y Nicolás Testoni. Alfio Demestre. Matías Ercole. Tomás Espina. Ana Gallardo. Carlos Huffmann. Ignacio Iasparra. Pablo La Padula. Estefanía Landesmann. José Luis Landet. Rosalba Mirabella. Andrés Pasinovich. Malena Pizani. Ricardo Pons. Florencia Rodríguez Giles. Verónica Romano. Luciana Rondolini. Diana Schufer.

Una exhibición de arte contemporáneo que intenta señalar a través de instalaciones, videos, fotografías, objetos y dibujos de veintidós artistas argentinos, aquello que se nos presenta desde la sombra. Entendiendo la oscuridad como una forma de emancipación, como un refugio, se propone un repliegue de la luz en el espacio de exhibición.

Como un destello se acompaña con una serie de actividades complementarias que comprenden danza, teatro, cine, música, charlas y conferencias. Así, por ejemplo, Verónica Tell y David Oubiña reflexionarán sobre cine y fotografía contemporánea, el periodista Alejandro Lingenti realizará entrevistas públicas a dramaturgos, cineastas y coreógrafos y los artistas Daliza Puzzovio y Charlie Squirru dialogarán sobre ocultismo y esoterismo en sus obras.

Más de 45 artistas en exhibición: Jacques Bedel, Luis F. Benedit, Diego Bianchi, Oscar Bony, Cynthia Cohen, Valeria Conte Mac Donell, Nicola Costantino, Sebastián Díaz Morales, Joaquín Fargas, Nicolás García Uriburu, Mauro Giaconi, Carlos Ginzburg, Víctor Grippo, Vicente Grondona, Nadia Guthmann, Miguel Harte, Fabiana Imola, Leandro Katz, Gyula Kosice, Catalina León, Francisca López, Marie Orensanz, Rómulo Macció, Hernán Marina, Margarita Paksa, Silvia Rivas, Miguel Rothschild, Tomás Saraceno y Gabriel Valansi, entre otros. Y de los artistas extranjeros: Cécile Beau (Francia), Vaughn Bell (Estados Unidos), Jean-François Boclé (Francia), Jane Brodie (Estados Unidos), Rimer Cardillo (Uruguay), Martin Creed (Reino Unido), Ange Leccia (Francia), Lucía Madriz (Costa Rica), Ana Mendieta (Cuba), Gabriel Orozco (México), Lucy y Jorge Orta (Francia), Ricardo Pascale (Uruguay), Pedro Tyler (Uruguay), Agnès Varda (Francia), Bill Viola (Estados Unidos) y Guido van der Werve (Holanda), entre otros.

El agua, el aire, la tierra, las plantas, las energías renovables y no renovables son materia de reflexión de los artistas convocados para esta ocasión. Esta contundente selección reúne obras de artistas de gran reconocimiento y de jóvenes creadores. La exhibición se destaca por la diversidad de soportes y disciplinas: incluye instalaciones de sitio específico, pinturas, esculturas, intervenciones, performances, videoarte y fotografías.

Naturaleza: refugio y recurso del hombre es una gran exhibición colectiva y multidisciplinaria que aborda la naturaleza, sus recursos, el presente y el futuro del planeta y el impacto de la acción del hombre en la Tierra. Ha sido concebida por un equipo curatorial integrado por Ana María Battistozzi, Laura Buccellato y Gabriela Urtiaga.

La propuesta expositiva, que se despliega en 10 salas de las plantas del segundo y cuarto piso y ocupa 2.900 metros cuadrados, hilvana en las distintas salas ejes temáticos: El origen de una idea, Antropoceno, Utopías / Distopías, Sustentabilidad / Compromiso Ecológico, Activismo creativo, Extrañamiento, Ecosistemas, Nuevos mundos / Nuevas naturalezas. Las obras exhibidas invitan de diferentes formas a pensar y concientizar sobre la problemática ambiental, sobre la conservación y el cuidado del medioambiente a nivel individual y colectivo.

Muestra individual de Ezequiel Montero Swinnen

Sobre el artista
Nace en Santa Rosa, La Pampa, Argentina en diciembre de 1983. Se desempeña como artista visual, fotógrafo, diseñador y docente universitario. En su obra como artista, trabaja principalmente la fotografía, el video, la instalación y el dibujo. Los temas que aparecen recurrentemente en sus obras son la pausa, la suspensión, el silencio, la levedad, el magnetismo.

Sobre la muestra
“En esta nueva etapa, Ezequiel reflexiona acerca de la experiencia subjetiva
del hombre con respecto al movimiento dentro del tiempo detenido. La exposición, que incluye fotografía y una instalación site-specific, conjuga la simpleza visual con el ingenio poético” Gabriel Bitterman, director de Quimera.

Texto curatorial

Querido tiempo, por Ezequiel Montero Swinnen
«Somos la materia de que están hechos los sueños» Shakespeare.
«¡Está ahí, frente a ti!» Huang Po.
Cada nuevo atardecer, saco mi varita mágica y, a la cuenta de tres, detengo la inercia de tu agitada rueda. Me divierte frenar tus mecanismos y olvidar, por un buen rato, tu hipnótico túnel. Como un ave rapaz, me desplazo de la periferia al mismísimo centro de tu círculo. Allí, queda congelado el silencio de tu llanura. Suspendido aquí y ahora, en el umbral de este instante infinito, me preparo a la posibilidad de mirarte de lejos y explorar tus puntos cardinales.
(…) Querido tiempo, soy tu hijo y soy tu padre. Me integro a vos, en sagrado equilibrio. A través del sentido de tu flecha, me puedo ver. Tengo mil ojos y una dirección clara. Tu forma es mi propio puente. Nos estamos creando, mutuamente. Pongo mis manos en tus ojos, sincronizo mi corazón con tus latidos, mis ciclos con tus frecuencias. En esta pausa, todo se actualiza a cada instante. Te tomo y te suelto. Creo, destruyo y conservo tus formas. Reconozco el ritmo del parpadeo. Estoy dentro y fuera de ti. Soy el centro en la periferia. Detrás de ti, asoma el paisaje completo, todas las posibilida-
des. El mapa del pasado y del futuro y, también, de este momento que se extiende y se extiende y se extiende.
Este presente sigue siendo indestructible y se expande hasta llenarte completamente. Todo lo que es, es en la eternidad, transformándose. En el viaje interminable.

(…) Bendito silencio ondulado. La sensación de que soy yo mismo quien recorre y que tú, siempre inmóvil, siempre horizonte, estás a mi lado. La sensación de que mi propio movimiento ondulante sucede en tu escenario vertical congelado. ¡Ese es el vértigo!

El Museo Nacional de Bellas Artes presenta “Luis Felipe Noé. Mirada prospectiva”, curada por Cecilia Ivanchevich. La exposición reúne 120 obras (dibujos, pinturas, instalaciones) entre 1957 y 2017 y desarrolla la “estética del caos”. Esta mirada prospectiva esconde un doble sentido, una mirada hacia el pasado y hacia el futuro entre el artista y las nuevas generaciones.

“El segundo enfoque piensa la producción de Noé desde la visión fragmentada: el artista divide la obra para mostrar distintas realidades coexistentes. Consciente de sus coordenadas geográficas y temporales, replica en las formas la fragmentación que observa en la sociedad argentina. Este razonamiento lo lleva a entender el caos y la otredad como parte del mismo sistema”.

La muestra podrá recorrerse en el Pabellón de exposiciones temporarias del Museo del 11 de julio al 20 de septiembre de 2017, de martes a viernes, de 11 a 20, y sábados y domingos, de 10 a 20, con entrada libre y gratuita.

La muestra reúne trabajos del artista, entre dibujos, pinturas, instalaciones y libros. Recorre más de seis décadas de trabajo del artista (1957-2017) y hace foco en “el caos”, como concepto general.

El caos en la obra de Luis Felipe Noé
Hasta el siglo XX, y desde que los mitos trataban de explicar aquello que era incomprensible para la razón, el caos siempre había ocupado el lugar del enigma. A mediados del siglo pasado, diferentes estudios científicos incluyeron como parte del pensamiento racional aquello que no puede preverse. En adelante, la inestabilidad y la indeterminación pasaron a ser factores claves fuera de condiciones de equilibrio. Este cambio de paradigma formó parte del pasaje de la modernidad a la posmodernidad.
En 1965, en su libro Antiestética, Noé expresó la necesidad de asumir el caos, no en oposición al orden, sino como una nueva dinámica de funcionamiento de un mundo en permanente cambio.
En sintonía con el pensamiento científico, el artista concibió desde entonces la inclusión del caos dentro de la teoría y la práctica. Esta exposición analiza los aspectos centrales de la obra de Noé, a través de los cuales desarrolló su “estética del caos”, donde el pasado hace eco en el presente y se proyecta hacia el futuro. De ahí el título Mirada prospectiva, porque su trabajo presenta una continua obsesión por desentrañar el devenir.
El guión curatorial rompe el orden cronológico tradicional –retrospectivo– y plantea tres claves de lectura que pueden rastrearse en la “estética del caos” de Noé a lo largo de toda su producción artística realizada entre 1957 y 2017: la conciencia histórica, la visión fragmentada y la línea vital. Las tres constantes que estructuran la muestra se ven condensadas en la imponente instalación Entreveros (2017), que presenta una imagen de quiebre, en momentos en que la espiral del caos vuelve a estallar ante nosotros.
Cecilia Ivanchevich, Curadora de la exposición

El talento emergente de 12 estudiantes de diseño, combinado con la experiencia de 12 diseñadores, referentes de la Argentina se exponen en esta muestra centrada en joyería contemporánea y accesorios de moda.

Es que, organizado por la Asociación de Amigos del Museo Nacional de Arte Decorativo, en conjunto con el Museo Nacional de Arte Decorativo el Premio MAD “Moda, Arte, Diseño” es un concurso que hace un reconocimiento institucional al diseño tanto en su aspecto creativo como en su rol en la industria cultural. El objetivo es fomentar, reconocer y difundir el talento de las nuevas generaciones en el marco de esta disciplina, a la vez que alienta el desarrollo sustentable. En su tercera edición, el premio está dedicado al diseño de accesorios de moda y joyería. Está dirigido a estudiantes o graduados de las carreras afines al diseño y cuenta con un comité de tutores formado por reconocidos profesionales de la Argentina que trabajan en conjunto con los concursantes para el desarrollo del prototipo.

Las duplas de 2017:

• Jorge Castañón – María Agustina Cebey
• Martín Churba – Juan Pablo Mario
• Leticia Churba – Elisa Zorraquín
• Fabiana Gadano – Rosaura Flynn
• Celedonio Lohidoy – Marina Boldes
• Marina Massone – María Florencia Dato-Cecilia Denegri Perez
• María Medici – María Laura Egea
• Marina Molinelli Wells – Sofía Lopez Ambrosioni
• Marcelo Senra – Axel Hernán Mazzeo
• Fernanda Sibilia – Forentina Rodriguez Traverso
• Tota Reciclados – Luciana Viedma
• Nadine Zlotogora – Sabrina Florencia Lopez

Se trata de la primera exhibición en nuestro país de Diane Arbus (Nueva York, 1923-1971).  Curada por Jeff L. Rosenheim, Curador en Jefe de Fotografía de The Metropolitan Museum of Art Nueva York , la exhibición reúne más de cien fotos producidas por Arbus entre 1956 y 1962, período en el que la artista buscó “lo divino en las cosas ordinarias”.
“A lo largo de estos años se da una evolución: el paso de imágenes de individuos que surgen de encuentros fortuitos a retratos en los cuales los sujetos elegidos se convierten en participantes activos”, explica Jeff L. Rosenheim. “Este anhelo de conocimiento, esta curiosidad por la naturaleza oculta de la persona o el objeto que está fotografiando, unida a su creencia en el poder de la cámara para hacerla visible, es, sobre todo, lo que la distingue”.

Rodrigo Rodríguez, pionero del graffiti argentino más conocido por su alias “Salsa” o “Goal Crew”,  realizará su primera muestra individual: Estructuras del Caos, curada por Victoria Tolomei avalada por Cynar. Se trata de una exhibición de sus pinturas más recientesen la que trabajó un renovado estilo clásico del graffiti -referente de los años 70’s y 80`s- con colores lavados y crudos remitiendo a las pinturas políticas de la ciudad.

Sus pinturas se caracterizan por incorporar elementos del fileteado porteño y el graffiti clásico de los años 70s, pero en esta exhibición Rodrigo presenta un nuevo cuerpo de obra.

La galería Quadro reabre sus puertas en el Distrito de las Artes con una muestra colectiva de los artistas del staff.

Los artistas: Julieta Barderi – Leonardo Cavalcante – Dolores Casares – Alejandro Montaldo – Nicolás Pontón – Andrés Pasinovich

La curadora: Mariana Rodríguez Iglesias.

Se trata de una asociación de obras que busca preservar la reunión de singularidades que toda exposición colectiva implica. La soledad más poblada del mundo habla de las fugas, del escape solitario hacia lo subjetivo como garantía de una vida en común. La soledad –aquella que sobreviene al despojarnos de los clichés con que se formatean los lazos sociales– aparece aquí menos como un signo de valor negativo que como un modo de estar y, en el seno de nuestras individualidades, nos permite un enganche gentil y provisorio con otras “soledades”. La soledad y la distancia como firma, como espacio para el encuentro, como territorio.

Numerosas piezas, de diversas disciplinas –desde el dibujo a la instalación– y variadas poéticas –de la geometría abstracta al conceptualismo– conforman esta primera exposición y presentación del staff de la galería: la pintura como arenas movedizas de Julieta Barderi, una estalactita incómoda y solitaria de Leonardo Cavalcante, el dibujo estallado y fantasmagórico de Dolores Cásares, la fatalidad doméstica de las tapitas de mendicrim de Alejandro Montaldo, los dibujos cancelados de Andrés Pasinovich y la puesta en abismo de marcos vacíos de Nicolás Pontón. Estas, entre otras, son algunas de las cajas de resonancia que se activan con la obra, algunos de las imágenes que se ejecutan en el observador. Esta colectiva pretende, ya desde el título, aproximar una idea de comunidad de encuentros que al tiempo que propicie el contacto, preserve la alteridad.

Dos muestras en simultáneo de artistas sensibles y comprometidos con las diversas realidades y problemáticas de nuestra sociedad, muchas veces injusta, dolorosa y donde pese a todo ello, estos artistas encuentran vestigios de vida y a través del arte denuncian e invitan a caminar juntos,
repensando nuestro pasado viviendo y accionando nuestro presente.

“Ciudad portuaria” de Rubén Sassano (dibujos)
“No sé si elegí el tema o el me eligió a mí, de chico este paisaje fue cotidiano en sucesivos viajes en el tren Sarmiento, donde conviven los puentes y túneles de la época de los Ingleses, me quedaba fascinado mirando, las señales ferroviarias, las luces, los cambios de vías, también la Boca, las grúas, el viejo trasbordador, ese olor especial del riachuelo, dejaron huella en mis gustos viejos barcos, estructuras de metal, el óxido, la niebla. Esto da la impronta y a la atmósfera de mi obra, el sello, la marca,
como así el gesto de la línea que puedo transmitir con el carbón en la tela en contrapunto con el valor de una aguada en tinta..”
Texto: Rubén Sassano

“Imágenes urgentes” de Alicia Benitez (obra gráfica)
“…Las utopías miran hacia el futuro, pero nacen en el ayer de la memoria y organizan nuestro presente desde el espiral de la creación. Necesidad del arte entonces para el rescate de la vida, para la defensa y la persistencia de la vida. Arte, para enfrentar al terror con la armonía, y desde la belleza dar sentido a la precaria luz humana frente a la infinitud de la noche.”
Texto: Vicente Zito Lema Noviembre de 2002.

Primera exposición retrospectiva de la artista argentina Mirtha Dermisache (Buenos Aires, 1940-2012) en un museo. Entre la plástica y la escritura, la obra de Mirtha Dermisache se despliega en libros, cartas, textos, diarios y postales, formatos con los que experimentó las posibilidades de expresión de su trazo sobre el papel.

La exhibición constituye un recorrido completo por su producción, desde su primer libro realizado en 1967 hasta sus últimos trabajos colectivos de los años 2000. Incluye 140 piezas pertenecientes a colecciones privadas, además de un amplio conjunto de documentos provenientes del Archivo Mirtha Dermisache, que desde 2013 lleva adelante un minucioso trabajo de catalogación y registro de sus obras.

A lo largo de su carrera, Mirtha Dermisache desarrolló una obra caligráfica a través de “escrituras ilegibles”, término acuñado por Roland Barthes quien en 1971 manifestó gran interés por su trabajo y destacó su capacidad de alcanzar la “esencia de la escritura”. La artista se interesó especialmente por la capacidad editorial de sus obras, como una forma de problematizar la idea de originalidad. Estuvo vinculada al Instituto Di Tella, al CAYC y el Grupo de los 13 y se caracterizó por ser una artista solitaria e intimista en su obra escrita y sumamente abierta en su producción pedagógica.

“Desde el inicio, la obra de Dermisache aparece atravesada por la dualidad entre la búsqueda de libertad en la creación y el sometimiento a una serie de reglas, a una disciplina. Y, a la vista del conjunto de su trabajo desde 1967 hasta su muerte, esta dualidad va a ser una constante, indisociable de su tarea pedagógica, entendida como experiencia de un proceso inverso de aprendizaje: el desaprendizaje de ciertas ideas que impiden la libre expresión creativa”, explica el curador Agustín Pérez Rubio.

El proyecto expositivo se basa en un trabajo de investigación documental de tres años sobre su archivo personal, acervo que también será expuesto para contextualizar y conjugar facetas antagónicas y rectoras de su trabajo como la disciplina y la libertad de expresión, la edición y el original, lo masivo y lo individual. Junto con la exposición, se publicará un catálogo sobre su obra de 300 páginas –en doble edición español e inglés-, co-editado junto a Fundación Espigas y con el apoyo del Archivo Mirtha Dermisache y del Institute for Studies on Latin American Art (ISLAA). El libro incluye el ensayo curatorial de Agustín Pérez Rubio, director artístico de MALBA; y textos inéditos de Guy Schraenen, editor y fundador de la editorial Guy Schraenen éditeur y Archive for Small Press & Communication (A.S.P.C.); Belén Gache, escritora y poeta; y Lucía Cañada (UBA-IDEAS- UNSAM), además de una cronología biográfica de la artista a cargo de Cintia Mezza, Cecilia Iida y Ana Rabiña del Archivo Mirtha Dermisache.

Con obras de la artista que van de 1982 a 1994 la muestra retrospectiva de Liliana Maresca recorre doce años de la producción artística de esta destacada mujer.
Fue una figura emblemática para la escena de las artes visuales de los años 80 y 90, una de las constructoras más activas de esa comunidad artística interdisciplinaria gestada hacia el final de la última dictadura militar. Fue una artista cuya obra confrontó de manera crítica problemas centrales para la sociedad, como lo fueron la situación política del país en los años 90 y el VIH, que la afectó personalmente. En palabras del curador de la muestra, Javier Villa, “Maresca puso su propio cuerpo ante todo y, expandiéndose desde ese cuerpo a su entorno íntimo, a la escena artística y a la sociedad, tuvo la capacidad de captar y retransmitir como si fuese una poderosa antena aquello que era central y acuciante en un contexto agitado”.
A través de esta exposición y de su investigación previa, el Moderno busca profundizar el importante trabajo realizado para la muestra Transmutaciones –primera retrospectiva de Liliana Maresca–, exhibida en 2008 en el Museo Castagnino+macro, de Rosario, y en el Centro Cultural Recoleta, de la Ciudad de Buenos Aires. Por ello, en esta ocasión, se reconstruyen por primera vez cinco instalaciones para acercar al público la sólida práctica de la artista.

MUJERES, reunió a seis ilustradoras. Seis mujeres. Seis soñadoras. Seis mujeres que ilustran mujeres y luchan por lo mismo desde sus diferentes trazos.

MUJERES. Una muestra comunitaria, donde el mensaje es uno solo: EMPODERAMIENTO DE LA MUJER. Una muestra donde seis ilustradoras, con estilos diferentes, hablan el mismo lenguaje. Una muestra donde la magia, la unión y la fuerza son motivación para seguir haciendo.

¿Quiénes son ellas?
Male Ehul
Instagram: @male.ehul
Web: http://www.magdalenaehul.com

Flor Meije
Instagram: @flomeije
Web: https://www.facebook.com/flomeije/

Josefina Schivo Federico
Instagram: @josefinaschivo
Web: http://josefina-schivo.tumblr.com/

Maylén Leita
Web: http://maylenl.tumblr.com/

Magui Rivarola
Instagram: @chochidvc
Web: https://www.facebook.com/chochidevc

Julieta Álvarez
Instagram: @julialvarezilus
Web: https://www.facebook.com/julialvarezilus

¡Además se suman…!
Jaz Pimentel, quien acompañará la inauguración con su voz y canciones.
Martín Thiessen, ¡con artes visuales!

Es una iniciativa que “Proyecto Pura Vida – Conciencia Solidaria” hace reutilizando pallets. La obra circular sobre un soporte de madera que estaba destinado a ser un desecho es el sello personal de este proyecto.
¿Cómo surge? “A principios del 2014 recibimos un ofrecimiento de donación de Casa de la Moneda: teníamos pallets redondos de 1 metro de diámetro en perfecto estado y en cantidades importantes, para hacer con ellos lo que nos pareciera mejor”, cuentan desde la ONG.
Una iniciativa solidaria de la que participan importantísimos artistas plásticos y reconocidas figuras de diferentes ámbitos de Argentina, que donan el 100% de la obra, convirtiéndolas en magníficas piezas de arte a beneficio de campañas de alto impacto coordinadas por la ONG Proyecto Pura Vida.

Conocé a los artistas que participan de la edición 2017 curada por Paula Rivero, en este link: http://www.palletsdevida.org.ar/

Y más del proyecto mirando este video: https://www.youtube.com/watch?v=JauMXkroUVU