El proyecto, que combina el interés de Saraceno por la aracnología y la astrofísica con el sonido y las artes visuales, nos invita a un “concierto cósmico” colectivo que abarca los dos espacios destinados a la exposición. Cuando los visitantes ingresen en cada una de las obras, al principio sólo verán detalles sutiles. Los filamentos suspendidos de telas de araña o los remolinos de polvo cósmico realizan un viaje flotante a través de la “red cósmica”, donde un sinnúmero de conexiones de otro modo imperceptibles se vuelven tangibles.
La exposición está organizada conjuntamente por el Museo de Arte Moderno de Buenos Aires y el Studio Tomás Saraceno, con la colaboración del Museo Nacional de Ciencias Naturales Bernardino Rivadavia. Ha sido posible gracias al apoyo del Consejo de Promoción Cultural de la Ciudad de Buenos Aires.

Muestra individual de Ezequiel Montero Swinnen

Sobre el artista
Nace en Santa Rosa, La Pampa, Argentina en diciembre de 1983. Se desempeña como artista visual, fotógrafo, diseñador y docente universitario. En su obra como artista, trabaja principalmente la fotografía, el video, la instalación y el dibujo. Los temas que aparecen recurrentemente en sus obras son la pausa, la suspensión, el silencio, la levedad, el magnetismo.

Sobre la muestra
“En esta nueva etapa, Ezequiel reflexiona acerca de la experiencia subjetiva
del hombre con respecto al movimiento dentro del tiempo detenido. La exposición, que incluye fotografía y una instalación site-specific, conjuga la simpleza visual con el ingenio poético” Gabriel Bitterman, director de Quimera.

Texto curatorial

Querido tiempo, por Ezequiel Montero Swinnen
«Somos la materia de que están hechos los sueños» Shakespeare.
«¡Está ahí, frente a ti!» Huang Po.
Cada nuevo atardecer, saco mi varita mágica y, a la cuenta de tres, detengo la inercia de tu agitada rueda. Me divierte frenar tus mecanismos y olvidar, por un buen rato, tu hipnótico túnel. Como un ave rapaz, me desplazo de la periferia al mismísimo centro de tu círculo. Allí, queda congelado el silencio de tu llanura. Suspendido aquí y ahora, en el umbral de este instante infinito, me preparo a la posibilidad de mirarte de lejos y explorar tus puntos cardinales.
(…) Querido tiempo, soy tu hijo y soy tu padre. Me integro a vos, en sagrado equilibrio. A través del sentido de tu flecha, me puedo ver. Tengo mil ojos y una dirección clara. Tu forma es mi propio puente. Nos estamos creando, mutuamente. Pongo mis manos en tus ojos, sincronizo mi corazón con tus latidos, mis ciclos con tus frecuencias. En esta pausa, todo se actualiza a cada instante. Te tomo y te suelto. Creo, destruyo y conservo tus formas. Reconozco el ritmo del parpadeo. Estoy dentro y fuera de ti. Soy el centro en la periferia. Detrás de ti, asoma el paisaje completo, todas las posibilida-
des. El mapa del pasado y del futuro y, también, de este momento que se extiende y se extiende y se extiende.
Este presente sigue siendo indestructible y se expande hasta llenarte completamente. Todo lo que es, es en la eternidad, transformándose. En el viaje interminable.

(…) Bendito silencio ondulado. La sensación de que soy yo mismo quien recorre y que tú, siempre inmóvil, siempre horizonte, estás a mi lado. La sensación de que mi propio movimiento ondulante sucede en tu escenario vertical congelado. ¡Ese es el vértigo!

El Museo Nacional de Bellas Artes presenta “Luis Felipe Noé. Mirada prospectiva”, curada por Cecilia Ivanchevich. La exposición reúne 120 obras (dibujos, pinturas, instalaciones) entre 1957 y 2017 y desarrolla la “estética del caos”. Esta mirada prospectiva esconde un doble sentido, una mirada hacia el pasado y hacia el futuro entre el artista y las nuevas generaciones.

“El segundo enfoque piensa la producción de Noé desde la visión fragmentada: el artista divide la obra para mostrar distintas realidades coexistentes. Consciente de sus coordenadas geográficas y temporales, replica en las formas la fragmentación que observa en la sociedad argentina. Este razonamiento lo lleva a entender el caos y la otredad como parte del mismo sistema”.

La muestra podrá recorrerse en el Pabellón de exposiciones temporarias del Museo del 11 de julio al 20 de septiembre de 2017, de martes a viernes, de 11 a 20, y sábados y domingos, de 10 a 20, con entrada libre y gratuita.

La muestra reúne trabajos del artista, entre dibujos, pinturas, instalaciones y libros. Recorre más de seis décadas de trabajo del artista (1957-2017) y hace foco en “el caos”, como concepto general.

El caos en la obra de Luis Felipe Noé
Hasta el siglo XX, y desde que los mitos trataban de explicar aquello que era incomprensible para la razón, el caos siempre había ocupado el lugar del enigma. A mediados del siglo pasado, diferentes estudios científicos incluyeron como parte del pensamiento racional aquello que no puede preverse. En adelante, la inestabilidad y la indeterminación pasaron a ser factores claves fuera de condiciones de equilibrio. Este cambio de paradigma formó parte del pasaje de la modernidad a la posmodernidad.
En 1965, en su libro Antiestética, Noé expresó la necesidad de asumir el caos, no en oposición al orden, sino como una nueva dinámica de funcionamiento de un mundo en permanente cambio.
En sintonía con el pensamiento científico, el artista concibió desde entonces la inclusión del caos dentro de la teoría y la práctica. Esta exposición analiza los aspectos centrales de la obra de Noé, a través de los cuales desarrolló su “estética del caos”, donde el pasado hace eco en el presente y se proyecta hacia el futuro. De ahí el título Mirada prospectiva, porque su trabajo presenta una continua obsesión por desentrañar el devenir.
El guión curatorial rompe el orden cronológico tradicional –retrospectivo– y plantea tres claves de lectura que pueden rastrearse en la “estética del caos” de Noé a lo largo de toda su producción artística realizada entre 1957 y 2017: la conciencia histórica, la visión fragmentada y la línea vital. Las tres constantes que estructuran la muestra se ven condensadas en la imponente instalación Entreveros (2017), que presenta una imagen de quiebre, en momentos en que la espiral del caos vuelve a estallar ante nosotros.
Cecilia Ivanchevich, Curadora de la exposición

El talento emergente de 12 estudiantes de diseño, combinado con la experiencia de 12 diseñadores, referentes de la Argentina se exponen en esta muestra centrada en joyería contemporánea y accesorios de moda.

Es que, organizado por la Asociación de Amigos del Museo Nacional de Arte Decorativo, en conjunto con el Museo Nacional de Arte Decorativo el Premio MAD “Moda, Arte, Diseño” es un concurso que hace un reconocimiento institucional al diseño tanto en su aspecto creativo como en su rol en la industria cultural. El objetivo es fomentar, reconocer y difundir el talento de las nuevas generaciones en el marco de esta disciplina, a la vez que alienta el desarrollo sustentable. En su tercera edición, el premio está dedicado al diseño de accesorios de moda y joyería. Está dirigido a estudiantes o graduados de las carreras afines al diseño y cuenta con un comité de tutores formado por reconocidos profesionales de la Argentina que trabajan en conjunto con los concursantes para el desarrollo del prototipo.

Las duplas de 2017:

• Jorge Castañón – María Agustina Cebey
• Martín Churba – Juan Pablo Mario
• Leticia Churba – Elisa Zorraquín
• Fabiana Gadano – Rosaura Flynn
• Celedonio Lohidoy – Marina Boldes
• Marina Massone – María Florencia Dato-Cecilia Denegri Perez
• María Medici – María Laura Egea
• Marina Molinelli Wells – Sofía Lopez Ambrosioni
• Marcelo Senra – Axel Hernán Mazzeo
• Fernanda Sibilia – Forentina Rodriguez Traverso
• Tota Reciclados – Luciana Viedma
• Nadine Zlotogora – Sabrina Florencia Lopez

Se trata de la primera exhibición en nuestro país de Diane Arbus (Nueva York, 1923-1971).  Curada por Jeff L. Rosenheim, Curador en Jefe de Fotografía de The Metropolitan Museum of Art Nueva York , la exhibición reúne más de cien fotos producidas por Arbus entre 1956 y 1962, período en el que la artista buscó “lo divino en las cosas ordinarias”.
“A lo largo de estos años se da una evolución: el paso de imágenes de individuos que surgen de encuentros fortuitos a retratos en los cuales los sujetos elegidos se convierten en participantes activos”, explica Jeff L. Rosenheim. “Este anhelo de conocimiento, esta curiosidad por la naturaleza oculta de la persona o el objeto que está fotografiando, unida a su creencia en el poder de la cámara para hacerla visible, es, sobre todo, lo que la distingue”.

Primera exposición retrospectiva de la artista argentina Mirtha Dermisache (Buenos Aires, 1940-2012) en un museo. Entre la plástica y la escritura, la obra de Mirtha Dermisache se despliega en libros, cartas, textos, diarios y postales, formatos con los que experimentó las posibilidades de expresión de su trazo sobre el papel.

La exhibición constituye un recorrido completo por su producción, desde su primer libro realizado en 1967 hasta sus últimos trabajos colectivos de los años 2000. Incluye 140 piezas pertenecientes a colecciones privadas, además de un amplio conjunto de documentos provenientes del Archivo Mirtha Dermisache, que desde 2013 lleva adelante un minucioso trabajo de catalogación y registro de sus obras.

A lo largo de su carrera, Mirtha Dermisache desarrolló una obra caligráfica a través de “escrituras ilegibles”, término acuñado por Roland Barthes quien en 1971 manifestó gran interés por su trabajo y destacó su capacidad de alcanzar la “esencia de la escritura”. La artista se interesó especialmente por la capacidad editorial de sus obras, como una forma de problematizar la idea de originalidad. Estuvo vinculada al Instituto Di Tella, al CAYC y el Grupo de los 13 y se caracterizó por ser una artista solitaria e intimista en su obra escrita y sumamente abierta en su producción pedagógica.

“Desde el inicio, la obra de Dermisache aparece atravesada por la dualidad entre la búsqueda de libertad en la creación y el sometimiento a una serie de reglas, a una disciplina. Y, a la vista del conjunto de su trabajo desde 1967 hasta su muerte, esta dualidad va a ser una constante, indisociable de su tarea pedagógica, entendida como experiencia de un proceso inverso de aprendizaje: el desaprendizaje de ciertas ideas que impiden la libre expresión creativa”, explica el curador Agustín Pérez Rubio.

El proyecto expositivo se basa en un trabajo de investigación documental de tres años sobre su archivo personal, acervo que también será expuesto para contextualizar y conjugar facetas antagónicas y rectoras de su trabajo como la disciplina y la libertad de expresión, la edición y el original, lo masivo y lo individual. Junto con la exposición, se publicará un catálogo sobre su obra de 300 páginas –en doble edición español e inglés-, co-editado junto a Fundación Espigas y con el apoyo del Archivo Mirtha Dermisache y del Institute for Studies on Latin American Art (ISLAA). El libro incluye el ensayo curatorial de Agustín Pérez Rubio, director artístico de MALBA; y textos inéditos de Guy Schraenen, editor y fundador de la editorial Guy Schraenen éditeur y Archive for Small Press & Communication (A.S.P.C.); Belén Gache, escritora y poeta; y Lucía Cañada (UBA-IDEAS- UNSAM), además de una cronología biográfica de la artista a cargo de Cintia Mezza, Cecilia Iida y Ana Rabiña del Archivo Mirtha Dermisache.

Con obras de la artista que van de 1982 a 1994 la muestra retrospectiva de Liliana Maresca recorre doce años de la producción artística de esta destacada mujer.
Fue una figura emblemática para la escena de las artes visuales de los años 80 y 90, una de las constructoras más activas de esa comunidad artística interdisciplinaria gestada hacia el final de la última dictadura militar. Fue una artista cuya obra confrontó de manera crítica problemas centrales para la sociedad, como lo fueron la situación política del país en los años 90 y el VIH, que la afectó personalmente. En palabras del curador de la muestra, Javier Villa, “Maresca puso su propio cuerpo ante todo y, expandiéndose desde ese cuerpo a su entorno íntimo, a la escena artística y a la sociedad, tuvo la capacidad de captar y retransmitir como si fuese una poderosa antena aquello que era central y acuciante en un contexto agitado”.
A través de esta exposición y de su investigación previa, el Moderno busca profundizar el importante trabajo realizado para la muestra Transmutaciones –primera retrospectiva de Liliana Maresca–, exhibida en 2008 en el Museo Castagnino+macro, de Rosario, y en el Centro Cultural Recoleta, de la Ciudad de Buenos Aires. Por ello, en esta ocasión, se reconstruyen por primera vez cinco instalaciones para acercar al público la sólida práctica de la artista.

En colaboración con el Goethe Institut, Fundación PROA presenta MANIFESTO, una instalación audiovisual de 13 videos interpretados magistralmente por Cate Blanchett en diferentes roles que cruzan lo performático y lo teatral.

Cada instalación está concebida como un film donde Cate Blanchett relata, en ese universo, las palabras más sobresalientes de los artistas del siglo XX.

Las 13 pantallas presentan fragmentos seleccionados por Julian Rosefeldt, construyendo un relato propio: un collage de 50 textos históricos de cada uno de los manifiestos de artistas (Malevich, Claes Oldenburg, Sol Lewitt, Lucio Fontana), poetas (Breton, Tzara, Marinetti) cineastas (Jim Jarmusch), coreógrafos (Yvonne Rainer) y arquitectos, así como el Manifiesto Comunista de Marx y Engels.

MANIFESTO despliega los interrogantes totalizantes que marcan nuestra cultura, preguntándose por la validez actual de estas declaraciones y el rol del arte en la actualidad. Fue presentada en 2016 en Staatsgalerie Stuttgart; Park Avenue Armory, New York; Ruhrtriennale 2016, Duisburg; Art Gallery of New South Wales, Sydney y Museum für Gegenwart, Berlin. En 2017 en: Capital of Culture, Aarhus; Ecole des Beaux Arts de Paris y Villa Stuck, Munich.

JULIAN ROSEFELDT (Munich, 1965) vive y trabaja en Berlín. Su obra es un cruce complejo de ensayo fílmico y representación performática. Sus films e instalaciones audiovisuales asocian la reflexión filosófica, la política y la crítica a la imagen. En el año 2004 participa de la Bienal de San Pablo representando a Alemania. Sus obras integran importantes colecciones públicas y privadas entre las que se encuentran el MoMA de Nueva York; la Neue Nationalgalerie de Berlín; el ACMI– Australian Centre for the Moving Image de Melbourne; el MUSAC (Museo de Arte Contemporáneo de Castilla y León) y la Saatchi Collection de Londres entre otras.

Expone internacionalmente desde 1997. Entre sus más exposiciones individuales más recientes se destacan: Villa Struck de Munich (2017), Park Avenue de Nueva York (2016), Hamburger Bahnhof – Museum für Gegenwart de Berlin (2016) y ACMI – Australian Centre for the Moving Image, Melbourne (2015) entre otras.

En el año 2009 fue profesor invitado por la facultad de Media Art de la Universidad Bauhaus de Weimar. Actualmente es miembro de la Academia Bávara de Bellas Artes y es profesor de Digital Time-Based Media en la Academia de Bellas Artes de Munich.