El proyecto, que combina el interés de Saraceno por la aracnología y la astrofísica con el sonido y las artes visuales, nos invita a un “concierto cósmico” colectivo que abarca los dos espacios destinados a la exposición. Cuando los visitantes ingresen en cada una de las obras, al principio sólo verán detalles sutiles. Los filamentos suspendidos de telas de araña o los remolinos de polvo cósmico realizan un viaje flotante a través de la “red cósmica”, donde un sinnúmero de conexiones de otro modo imperceptibles se vuelven tangibles.
La exposición está organizada conjuntamente por el Museo de Arte Moderno de Buenos Aires y el Studio Tomás Saraceno, con la colaboración del Museo Nacional de Ciencias Naturales Bernardino Rivadavia. Ha sido posible gracias al apoyo del Consejo de Promoción Cultural de la Ciudad de Buenos Aires.

Se trata de la primera exhibición en nuestro país de Diane Arbus (Nueva York, 1923-1971).  Curada por Jeff L. Rosenheim, Curador en Jefe de Fotografía de The Metropolitan Museum of Art Nueva York , la exhibición reúne más de cien fotos producidas por Arbus entre 1956 y 1962, período en el que la artista buscó “lo divino en las cosas ordinarias”.
“A lo largo de estos años se da una evolución: el paso de imágenes de individuos que surgen de encuentros fortuitos a retratos en los cuales los sujetos elegidos se convierten en participantes activos”, explica Jeff L. Rosenheim. “Este anhelo de conocimiento, esta curiosidad por la naturaleza oculta de la persona o el objeto que está fotografiando, unida a su creencia en el poder de la cámara para hacerla visible, es, sobre todo, lo que la distingue”.

Primera exposición retrospectiva de la artista argentina Mirtha Dermisache (Buenos Aires, 1940-2012) en un museo. Entre la plástica y la escritura, la obra de Mirtha Dermisache se despliega en libros, cartas, textos, diarios y postales, formatos con los que experimentó las posibilidades de expresión de su trazo sobre el papel.

La exhibición constituye un recorrido completo por su producción, desde su primer libro realizado en 1967 hasta sus últimos trabajos colectivos de los años 2000. Incluye 140 piezas pertenecientes a colecciones privadas, además de un amplio conjunto de documentos provenientes del Archivo Mirtha Dermisache, que desde 2013 lleva adelante un minucioso trabajo de catalogación y registro de sus obras.

A lo largo de su carrera, Mirtha Dermisache desarrolló una obra caligráfica a través de “escrituras ilegibles”, término acuñado por Roland Barthes quien en 1971 manifestó gran interés por su trabajo y destacó su capacidad de alcanzar la “esencia de la escritura”. La artista se interesó especialmente por la capacidad editorial de sus obras, como una forma de problematizar la idea de originalidad. Estuvo vinculada al Instituto Di Tella, al CAYC y el Grupo de los 13 y se caracterizó por ser una artista solitaria e intimista en su obra escrita y sumamente abierta en su producción pedagógica.

“Desde el inicio, la obra de Dermisache aparece atravesada por la dualidad entre la búsqueda de libertad en la creación y el sometimiento a una serie de reglas, a una disciplina. Y, a la vista del conjunto de su trabajo desde 1967 hasta su muerte, esta dualidad va a ser una constante, indisociable de su tarea pedagógica, entendida como experiencia de un proceso inverso de aprendizaje: el desaprendizaje de ciertas ideas que impiden la libre expresión creativa”, explica el curador Agustín Pérez Rubio.

El proyecto expositivo se basa en un trabajo de investigación documental de tres años sobre su archivo personal, acervo que también será expuesto para contextualizar y conjugar facetas antagónicas y rectoras de su trabajo como la disciplina y la libertad de expresión, la edición y el original, lo masivo y lo individual. Junto con la exposición, se publicará un catálogo sobre su obra de 300 páginas –en doble edición español e inglés-, co-editado junto a Fundación Espigas y con el apoyo del Archivo Mirtha Dermisache y del Institute for Studies on Latin American Art (ISLAA). El libro incluye el ensayo curatorial de Agustín Pérez Rubio, director artístico de MALBA; y textos inéditos de Guy Schraenen, editor y fundador de la editorial Guy Schraenen éditeur y Archive for Small Press & Communication (A.S.P.C.); Belén Gache, escritora y poeta; y Lucía Cañada (UBA-IDEAS- UNSAM), además de una cronología biográfica de la artista a cargo de Cintia Mezza, Cecilia Iida y Ana Rabiña del Archivo Mirtha Dermisache.

Con obras de la artista que van de 1982 a 1994 la muestra retrospectiva de Liliana Maresca recorre doce años de la producción artística de esta destacada mujer.
Fue una figura emblemática para la escena de las artes visuales de los años 80 y 90, una de las constructoras más activas de esa comunidad artística interdisciplinaria gestada hacia el final de la última dictadura militar. Fue una artista cuya obra confrontó de manera crítica problemas centrales para la sociedad, como lo fueron la situación política del país en los años 90 y el VIH, que la afectó personalmente. En palabras del curador de la muestra, Javier Villa, “Maresca puso su propio cuerpo ante todo y, expandiéndose desde ese cuerpo a su entorno íntimo, a la escena artística y a la sociedad, tuvo la capacidad de captar y retransmitir como si fuese una poderosa antena aquello que era central y acuciante en un contexto agitado”.
A través de esta exposición y de su investigación previa, el Moderno busca profundizar el importante trabajo realizado para la muestra Transmutaciones –primera retrospectiva de Liliana Maresca–, exhibida en 2008 en el Museo Castagnino+macro, de Rosario, y en el Centro Cultural Recoleta, de la Ciudad de Buenos Aires. Por ello, en esta ocasión, se reconstruyen por primera vez cinco instalaciones para acercar al público la sólida práctica de la artista.

En colaboración con el Goethe Institut, Fundación PROA presenta MANIFESTO, una instalación audiovisual de 13 videos interpretados magistralmente por Cate Blanchett en diferentes roles que cruzan lo performático y lo teatral.

Cada instalación está concebida como un film donde Cate Blanchett relata, en ese universo, las palabras más sobresalientes de los artistas del siglo XX.

Las 13 pantallas presentan fragmentos seleccionados por Julian Rosefeldt, construyendo un relato propio: un collage de 50 textos históricos de cada uno de los manifiestos de artistas (Malevich, Claes Oldenburg, Sol Lewitt, Lucio Fontana), poetas (Breton, Tzara, Marinetti) cineastas (Jim Jarmusch), coreógrafos (Yvonne Rainer) y arquitectos, así como el Manifiesto Comunista de Marx y Engels.

MANIFESTO despliega los interrogantes totalizantes que marcan nuestra cultura, preguntándose por la validez actual de estas declaraciones y el rol del arte en la actualidad. Fue presentada en 2016 en Staatsgalerie Stuttgart; Park Avenue Armory, New York; Ruhrtriennale 2016, Duisburg; Art Gallery of New South Wales, Sydney y Museum für Gegenwart, Berlin. En 2017 en: Capital of Culture, Aarhus; Ecole des Beaux Arts de Paris y Villa Stuck, Munich.

JULIAN ROSEFELDT (Munich, 1965) vive y trabaja en Berlín. Su obra es un cruce complejo de ensayo fílmico y representación performática. Sus films e instalaciones audiovisuales asocian la reflexión filosófica, la política y la crítica a la imagen. En el año 2004 participa de la Bienal de San Pablo representando a Alemania. Sus obras integran importantes colecciones públicas y privadas entre las que se encuentran el MoMA de Nueva York; la Neue Nationalgalerie de Berlín; el ACMI– Australian Centre for the Moving Image de Melbourne; el MUSAC (Museo de Arte Contemporáneo de Castilla y León) y la Saatchi Collection de Londres entre otras.

Expone internacionalmente desde 1997. Entre sus más exposiciones individuales más recientes se destacan: Villa Struck de Munich (2017), Park Avenue de Nueva York (2016), Hamburger Bahnhof – Museum für Gegenwart de Berlin (2016) y ACMI – Australian Centre for the Moving Image, Melbourne (2015) entre otras.

En el año 2009 fue profesor invitado por la facultad de Media Art de la Universidad Bauhaus de Weimar. Actualmente es miembro de la Academia Bávara de Bellas Artes y es profesor de Digital Time-Based Media en la Academia de Bellas Artes de Munich.

Colección de Imágenes realizó la siguiente pregunta a mil jóvenes de entre 13 y 18 años (de escuelas públicas y privadas, talleres e institutos de formación artística): “¿Qué ves cuándo ves?” Cada uno reflexionó sobre cómo ve, en qué se fija, y cómo, en definitiva, construye su imagen del mundo. Sus respuestas se materializaron en fotografías que fueron enviadas al Recoleta. Se imprimieron en imanes, creando una colección de 1000 imágenes que hoy se exponen en la Sala Cronopios, en una serie de bibliotecas metálicas ubicadas en el centro del espacio. 

La propuesta invita al público a conocer las formas de ver de otros, pero también lo invita a intervenir: puede elegirlas y llevarlas a un grupo de habitaciones metálicas al fondo de la sala para crear su propia muestra. Convirtiéndose en el curador de la exhibición.

Texto – Gonzalo Pedraza
Hoy vivimos en un mundo de imágenes: el teléfono, la computadora, la televisión, los videos, las transmisiones instantáneas, todo se ha reducido –o expandido- a una pantalla. ¿Cómo vemos hoy en día las cosas que no están dentro de una pantalla? ¿Cómo percibimos un paisaje, un árbol o nuestro entorno? Pareciera que estos tiempos están construyendo una percepción novedosa.

La forma en cómo nos relacionamos con nuestra tecnología se traspasó a los sentidos: vemos, tocamos y oímos de manera distinta. En el arte pasa lo mismo, la experiencia de “ver una obra de arte” también está sometida a esta nueva percepción, pero se resiste y aún conserva una fuerte carga ritual: vemos en silencio, serios –tratando de parecer cultos-, no podemos tocar las obras, debemos guardar distancia y acercarnos a ellas a través de textos indescifrables. Todas estas experiencias nos hacen finalizar la visita aturdidos. ¿Cómo combinar esta nueva percepción y la experiencia del arte?

Colecciones de Imágenes un proyecto sobre la experiencia presente, un experimento visual donde todos los factores interactúan: nos introducimos a una máquina de relaciones que opera gracias a la participación del espectador, como un generador de imágenes y como un creador de la exhibición.

Sobre Gonzalo Pedraza
Es licenciado en Teoría e Historia del Arte y realizó un posgrado en Estudios Latinoamericanos, en la Universidad de Chile. Su obra gira en torno al coleccionismo en el mundo moderno, las ideas culturales sobre naturaleza y la cultura material, entre sus obras y proyectos destacan Colección vecinal (Galería Metropolitana en 2008, VII Bienal de Mercosur en 2009 y Matucana 100 en 2013), Colección de imágenes y Colección Televisiva (Matucana 100 en 2011 y 2012), Fósiles (Galería Metales Pesados en 2014), y Colección Natural (Corpartes en 2016). Su obra se encuentra en las colecciones de Juan Yarur y Fundación FAVA.

Entre sus publicaciones: Colecciones: obras 2008 a 2013 (con textos de Andrea Giunta, Osvaldo Sánchez y Peter Mason, 2016); Herbolaria Local: Cultura visual y natural en Chile siglo XIX y XX (ediciones Corpartes y Consejo Nacional de la Cultura, 2011-2016); De la pintura en Chile (Ocho Libros Editores, 2010); “Obras inodoras” (Revista Animal, Ciudad de México, 2010); Luis Camnitzer: De la CocaCola al arte boludo (Editorial Metales Pesados, 2009); y Paisaje y visualidad en el arte chileno contemporáneo (INCUBO/University Austin, Texas, 2009); “Galería Metropolitana: un disonancia en el campo artístico chileno” (revista Teoría del Arte, 2006).

Ha sido curador del Centro Cultural Matucana 100 entre 2010 y 2013, ha realizado proyectos curatoriales, entre ellos: Project Rooms 2011 y 2012, junto a Daniela Pérez y Úrsula Dávila (Feria de arte Ch.Aco), Retrospectiva Juan Pablo Langlois: 1969- 2010 (M100, 2012), Minimalismo made in Chile (M100, 2013), Yoshua Okón: CHILLE (Galería Gabriela Mistral, 2009).

Información útil

La entrada libre y gratuita
Horarios del Recoleta: martes a viernes, de 13.30 h a 22 h. Sábados, domingos y feriados de 11.30 h a 22 h. Lunes cerrado.

Con la curaduría de Sebastián Vidal Mackinson, Julieta Barderi presenta un conjunto de piezas trabajadas en diferentes disciplinas que diagraman sobre cuestiones ligadas a la magia. Aquí, se muestran algunas operaciones que conllevan a la transformación, la manipulación del tiempo, como también la presencia de portales y la arquitectura ancestral. A su vez, el uso del color fluorescente y la escritura de raigambre ritual, asoman de manera intermitente en estas piezas que las encadenan a la manera de elementos rotundos de un listado-sentencia: son los eslabones irremplazables que posibilitan que el conjuro surta efecto en su
precisa enunciación.

*Sobre Julieta Barderi
En 2006 egresó de la Escuela de Artes Visuales Regina Pacis. Asistió al taller de Alejandra Seeber y al de Eduardo Stupía en UTDT. Realizó clínica de obra con Tulio De Sagastizábal. En 2014 participó de la Beca FNA-CONTI donde realizó clínica con Eduardo Basualdo, Eduardo Stupía y Verónica Gómez. También realizó el taller “El texto de la obra” con Silvia Gurfein. Actualmente en el Programa de Artistas (UTDT) Universidad Torcuato DiTella 2017.

Casa FOA es esencialmente un espacio para el libre desarrollo de la creatividad, un lugar de encuentro en el que diseñadores, arquitectos, decoradores y paisajistas seleccionados por su talento y prestigio comparten con el público sus búsquedas y sus hallazgos.

Casa FOA surgió en 1985, como iniciativa de Mercedes Malbran de Campos y un grupo de señoras, con el propósito de recaudar fondos para la Fundación Oftalmológica Argentina “Jorge Malbran” (FOA).

Si la misión científica de la Fundación es acercar a más gente a una perfecta visión de las cosas, la idea motriz de Casa FOA es mostrar opciones para vernos mejor, proponiendo perfiles nítidos de los valores arquitectónicos y culturales del país, exhibiendo su capacidad para la creación de estilos y formas.

Un referente indiscutido en la agenda cultural del país y una cita ineludible para conocer las últimas tendencias del diseño en un marco de multiplicidad de gustos y estilos.

Este año Casa FOA tendrá lugar en Luis María Campos 1336.

La artista fueguina, quién recientemente fue seleccionada en la Bienal de Arte Joven de Buenos Aires y a su vez prepara su participación en la feria de arte canadiense Art Toronto y su primera exposición individual en una galería en el exterior: Alison Milne (Toronto, Canadá), presenta su muestra individual en Quimera.

Además, se puede ver y recorrer la intervención site-specific del artista Andréz Martínez: “La traición de las imágenes”, que cuenta con la curaduría de Gonzalo Silva.

La exposición se puede visitar de martes a viernes de 14 a 20hs y sábados de 10 a 14hs (exceptuando el primer sábado de cada mes en el que la galería permanece cerrada).

Sobre la muestra

Una serie de esculturas se presenta como estadios de una atmósfera mental / material imposible de clasificar. Por lo tanto la resonancia de las palabras sugiere siempre una articulación destinada a fracasar.

Lo que parece ponerse en relieve en la serie es el punto de contacto entre una acción o pensamiento y su trazo visible, impreso. El elemento invisible de la obra adquiere una relevancia clave en tanto modelador de la forma final de la materia. La forma visible que arroja la pregunta obligada sobre la acción que la precedió. Sobrevolando la acción física y la materialidad resultante, se encuentran el carácter y el temperamento que rigen el conjunto. Tracción, propulsión, esfuerzo, envión, voluntad.

El material elegido es la arcilla, y lo que se revela es su condición de mutante. Absorbente, permeable, plástica, líquida, sólida, evaporada, cuarteada, prensada, el ciclo de estadios de la arcilla y su reciclaje es infinito.

Estas 5 esculturas están trabajadas con arcillas de distintos lugares del país, cada una con una coloración propia. Una gama mineral desplomada en porciones sobre estructuras de hierro. Al lado, una serie de obras en papel, podrían interpretarse como una colección de alegorías arquitectónicas. Imágenes que deletrean signos provenientes de un archivo fotográfico y que en su totalidad sugieren una lectura hipertextual codificada de un espacio indeterminado, pero invadido por pistas y gestos.

Orden, catátrofe, vacío, espacio, tiempo, cambios de perspectiva, cambios de geografía. Esta muestra evoca movimientos que ejercen una fuerza de erosión, mutación y moldeado permanente de la imagen.

Acerca de Nacha Canvas

Nace en Ushuaia, Tierra del Fuego, 1990. Estudió Diseño Gráfico en la Universidad de Buenos Aires, donde dictó clases en la materia Morfología (Cátedra Enrique Longinotti) del 2013 al 2015. Paralelamente se forma en otras disciplinas: Cerámica, Bordado, Dibujo, Fotografía, Collage. En 2013 gana la Bienal de Arte Joven de Buenos Aires en la disciplina Artes Visuales, obteniendo una beca de formación en la Residencia Casa Tres Patios, en Medellín, Colombia. En 2015 presenta un Solo Project titulado Intento, en el Barrio Joven de ArteBa, con Quimera galería, proyecto que la lleva el mismo año a la feria ArtToronto en Canadá y que concluye un una muestra individual en Quimera en 2015. Durante el 2016 participa con Quimera galería en la feria PArC, en Lima, Perú, y con un site specific en la muestra ̈Bosquejar, esbozar, proyectar ̈de Quimera en Buenos Aires. Ese mismo año obtiene una mención de honor en el Premio Itaú de Artes visuales, con exposición en el Palais de Glace, Buenos Aires, y presenta su proyecto ̈Hiel de Buey ̈ junto a Quimera Galería como solo project en la feria Pinta, Miami. En 2017 participa con Quimera galería en la feria Art on Paper, Nueva York, y en la feria FACA, Buenos Aires. Y gana por segunda vez la Bienal de Arte Joven de Buenos Aires en la disciplina Artes Visuales obteniendo una beca para desarrollar el proyecto Friso, curado por Lara Marmor, Marcela Sinclair y Patricio Larrambebere. Sus obras forman parte de importantes colecciones de Buenos Aires, Lima, Nueva York, Toronto y Miami. Tras terminar sus estudios en 2016, vuelve a su ciudad natal Ushuaia, donde vive y trabaja.

La primera exposición panorámica de Sergio Avello en un museo, que recorre su amplia producción artística, desarrollada entre los años 1984 y 2010.

Con una importante selección de pinturas, objetos, obras lumínicas, música, documentos de época y registros audiovisuales, la exposición comprende el recorrido de Avello como artista. Un artista que también transgredió los márgenes de lo artístico y formó parte de un universo mayor: la música, la noche y los amigos que dinamizaron su práctica artística desplegada en fiestas, muestras y recitales.

Sergio Avello nació en Mar del Plata en 1964, y en 1983 llegó a Buenos Aires. En los ochenta la práctica de Avello buscaba a través de sus gestos mínimos y despojados evocar una idea de belleza entendida desde una percepción despreocupada de la realidad. Así, Avello se distinguía de los otros artistas de under pero a pesar de las diferencias estéticas, se integró, a un espíritu de época que se fundaba en el encuentro con la comunidad cercana y la acción continua. Empezó a organizar muestras con sus amigos artistas en espacios institucionales y alternativos de la época, entre ellas se destacan dos muestras que duraron sólo un día en la estación 3 de Febrero del Ferrocarril en 1988 y 1991.

En marzo de 1989 Avello inauguró su primera exposición individual en la galería de Adriana Rosenberg: Arte Decorativo Argentino. Nuevo exponente, una muestra que con los motivos, los colores, los formatos pequeños, el montaje limpio y aireado de la exposición hacían explicita la diferencia fundamental con su entorno.

Avello buscaba siempre lo nuevo, lo último, en la música, en las fiestas y en la vida. Con el inicio de los 2000, la abstracción lúdica de Avello se desplazó hacia los símbolos patrios. La crisis que atravesó el país en 2001 resonó en muchos artistas como un llamado a la acción. Avello trasladó sus planos de color a las banderas de Argentina y Estados Unidos. La bandera argentina se repite una y otra vez, en cuero, en corderito, en esmalte, en tubos de luz.

De esta manera, el Moderno, se propone descubrir a Sergio Avello, artista multipropósito que hizo de “el movimiento incesante una estrategia de supervivencia”, a través de una retrospectiva por sus objetos, cajas de luz, tablas policromadas, sus singulares banderas y el compendio de toda una creación artística que transgredió los límites de lo delicado y lo decorativo.

Con la curaduría de Julieta Sepich y Marcelo Marzoni, Jorge Haro presenta dinámica [input]. La muestra retoma el universo poético de Jorge Haro para desplegar una serie de constantes que emergen como familiares.

Su trazo sintético hace estallar las apariencias para concentrarse en la sutil transformación del sonido. La obra arriba al sentido desde el dato: ¿Qué se oculta detrás? ¿Qué opaca la estrategia? O al contrario: ¿Qué revela?

Como un juego de tenues oposiciones, Haro cifra un alfabeto personalísimo donde la materia prima es lo sonoro -o su ausencia- en términos físicos/perceptivos. Nos preguntamos entonces: ¿Qué escuchamos? ¿Cómo lo hacemos? ¿Cuál es nuestro “ancho de banda”? Se trata de poetizar la escucha desplazando el sonido en luz, en vibración, en materialidades ausentes. La obra deviene en un mapa fantasmal. Desafiante explora lo inmaterial: huellas que rondan como residuo, como rastros de lo audible. El movimiento es gesto momificado del proceso. A la vez emerge una suerte de contra-iconografía donde lo visual materializa lo inasequible del sonido: el margen imposible. La obra no teme a estas contaminaciones y sin máscara revela su puesta en escena: Simulacro de montaje-edición.

dinámica [input] le otorga un cuerpo-fantasma al silencio. Su paradoja reside en que Haro desocupa apelando a un juego de sustituciones: cambiar de medio para transformar. Principio de adaptación: Cuerpo anfibio. Su ideario de laboratorio nos habilita como voyeur de su experimentación: lo inacabado como formulación poética. Para desmantelar el artificio de lo sonoro, explora lo orgánico desde su concepción de síntesis y el tránsito para convertirse en artefacto y dispositivo.

Lo central en la obra es el proceso como resultado, como no-respuesta. En una suerte de cadavre exquis lo aleatorio -como forma de azar-, naturaliza los procesos artificiales. El artista nos lanza al juego y nos insta a resistir, a alterar nuestras lógicas perceptivas. Finalmente, dinámica [input] es movimiento y quietud; es pausa y pulso. Intensidad en el tiempo.

Por su parte, en planta alta intervención #3 del artista Sebastián Tedesco entra en diálogo con la producción del artista Eduardo Pla en la muestra permanente Historia de un Malentendido, con curaduría de Merlina Rañi. Tedesco es el tercero de siete artistas, junto con Kevin Kripper, Diego Alberti, Azul De Monte, Sebastián Tedesco, Lolo Armdz, Patricio González Vivo y Manolo Gamboa Naón, invitados a lo largo del año, y que sucederán mes a mes a intervenir parte de la selección de la muestra permanente de Pla.

Sobre Jorge Haro
(Buenos Aires, 1963) Artista. Actualmente es curador del ciclo de conciertos y performances audiovisuales Escuchar [Sonidos Visuales], del Museo de Arte Moderno de Buenos Aires. Su producción investiga los aspectos estéticos y científicos del sonido y las vibraciones, con particular interés en la escucha expandida, la visualización del sonido, las relaciones audiovisuales y los procesos de transformación de datos. Ha realizado conciertos audiovisuales, instalaciones y exhibiciones en América y Europa. Se destacan sus presentaciones en Sónar +D Buenos Aires (Argentina, 2016); New River Studios (Inglaterra, 2016); Festival Internacional de la Imagen (Colombia, 2014); Festival Tsonami (Chile, 2013); Situación Sonora: La Deriva Aural, en el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía (España, 2012); Skolska 28 (República Checa, 2011); Festival LEV (España, 2010); Là-Bas Biennale (Finlandia, 2010); Ha colaborado con cineastas, video artistas, net artistas y directores de teatro y de danza. Ha realizado residencias artísticas en el Centro Mexicano para la Música y las Artes Sonoras (CMMAS), y en el EMS Elektronmusik Studion, Estocolmo, Suecia.